Die 100 besten Filme der 1970er Jahre

Von „Der Exorzist“ bis „Eraserhead“, von Blaxploitation-Epen bis zu Blockbustern, von „Der Pate“-Filmen bis zu Abenteuern, die in einer weit, weit entfernten Galaxie spielen – unsere Auswahl der besten Filme im größten Jahrzehnt des amerikanischen Filmemachens

Im Uhrzeigersinn von links: „Eraserhead“, „Der Pate: Teil II“, „Der Exorzist“, „Star Wars“ und „Blazing Saddles“. EVERETT-SAMMLUNG, 7

Es war das Jahrzehnt, das uns Mitternachtsfilme, moderne Blockbuster, Blaxploitation-Epen, Neo-Noirs und die Crème de la Crème des New Hollywood bescherte. Die „Film Brats“ standen in voller Blüte, und nachdem das Studiosystem die bärtigen Barbaren durch das Tor hereingelassen hatte, wurde dem Publikum jede Woche eine scheinbar neue, schöne, düstere Vision des amerikanischen Lebens präsentiert. Später würden Boxer, Radfahrer-Teenager, Baseball-Kinder und kaputte Eishockeyspieler beweisen, dass manchmal die Außenseiter gewinnen, auch wenn sie nicht wirklich gewinnen. Das waren die Jahre, in denen wir lernten, Angst vor Haien, maskierten Schlitzern und Erbsensuppe spuckenden Jugendlichen zu haben. (Um Regan MacNeil gegenüber fair zu sein, muss man sagen, dass der Teufel sie dazu gezwungen hat.)

Es gibt einen Grund dafür, dass die 1970er-Jahre von mehreren Generationen von Kinoliebhabern vergöttert, fetischisiert und beständig mit Namen belegt werden: die schiere Fülle an großartigen Filmen, die in diesem Zeitraum von zehn Jahren herauskamen, insbesondere (aber nicht ausschließlich) von amerikanischen Filmemachern. Wenn man auf das zweite goldene Zeitalter Hollywoods zurückblickt, während diese Gruppe von Autoren versuchte, sich mit der Vorstellung der 100 besten Filme der 1970er Jahre herumzuschlagen, ist es verblüffend, sich so viele Dinge vorzustellen, die wir heute als die Höhepunkte eines noch jungen Films betrachten. Diese Kunstform entstand aus dieser kleinen Zeitspanne. Unser einziges Bedauern ist, dass wir diese Liste nicht auf 200 oder sogar 300 Titel erweitert haben. (Vergiss es, Jake – es ist eine Deadline-Sache.)

Hier ist unsere Auswahl der großartigsten Filme aus dieser fruchtbaren Ära des Filmemachens, von Paten geführten Familienunternehmen bis hin zu Geschichten in einer weit, weit entfernten Galaxis. Sie werden nicht mit all diesen Entscheidungen einverstanden sein, aber hoffentlich schauen Sie sich jeden einzelnen Film auf dieser Liste noch einmal an und entdecken etwas Neues in diesen Dokumenten eines wilden, verrückten und seltsamen Jahrzehnts der Filme. Um einen weisen Mann zu zitieren: „Es ist Showtime, Leute!“

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Es gab „Mitternachtsfilme“ vor der Kinoversion von Richard O’Briens augenzwinkernder Bühnenshow, zusammengestellt aus den Ersatzteilen von Science-Fiction-Doppelfilmen, Musiktheater und unterstrichenen Passagen von „Notes on Camp“. Dies würde jedoch dazu führen, dass das gesamte Konzept der Filmkulte definiert und verfeinert wird, indem die Vorführungen nach Feierabend in interaktive Cosplay-Treffen verwandelt werden, die für ein gemeinschaftliches Erlebnis konzipiert sind. O'Brien selbst ist Riff-Raff, der bucklige Handwerker, der die verlorenen Unschuldigen Barry Bostwick und Susan Sarandon in eine Welt voller Freaks, Geeks und sexueller Fluidität einführt; Ihr Widerstand ist natürlich zwecklos. Und wer braucht Dr. Frankenstein, wenn man Dr. Frank-N-Furter hat, Tim Currys ikonischen verrückten Wissenschaftler in Netzstrümpfen und einen Mann, der einen vor Vorfreude zittern lässt? Es reicht aus, um Sie glauben zu lassen, dass die Befreiung nur einen Sprung nach links – und dann einen Schritt nach rechts – entfernt war. –David Angst.

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Lernen Sie den 19-jährigen Tony Manero kennen, der aus Brooklyns Bay Ridge stammt. Tagsüber verkauft dieser Jedermann aus dem Außenbezirk Farbe und streitet sich mit seiner italienisch-amerikanischen Familie. Aber wenn die Sonne untergeht und die Lichter in der örtlichen Diskothek angehen, ist Tony ein Gott. John Badhams Film ist so eng mit dem Disco-Trend der späten 70er-Jahre verbunden, dass man, wenn man das Wort im Wörterbuch nachschlägt, einfach ein Bild von John Travolta im weißen Freizeitanzug sieht, dessen rechte Hand zum Himmel zeigt. Dies war der Film, der aus dem „Welcome Back, Kotter“-Kind einen echten Star machte, dem Mainstream-Amerika seine bisher überwiegend Underground-Clubkultur verkaufte und den Bee-Gees einen ernsthaften zweiten Aufschwung verlieh. Die Tanzszenen sind so kinetische Zeitkapseln, dass man fast vergisst, wie düster und trostlos der Rest des Films ist und dass es sich in Wirklichkeit um eine Coming-of-Age-Geschichte über einen Mann handelt, der seinen verrückten Freunden, seiner Nachbarschaft und seiner eigenen begrenzten Gruppe von Menschen entwachsen ist Optionen. Passen Sie einfach auf seine Haare auf, ok?! Er hat lange daran gearbeitet. —DF

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Diese Coming-of-Age-Geschichte spielt im Jahr 1964, auf dem Höhepunkt der Bürgerrechtsbewegung, und wird von Motowns lebhaftem Backkatalog untermalt. Sie handelt von einer Gruppe junger schwarzer Highschool-Schüler in Chicago – angeführt von dem aufstrebenden Dichter Preach (Glynn Turman) und seinen Freunden Cochise (Lawrence Hilton-Jacobs), beste Freundin auf dem Weg zum College – durch eine Reihe von Teenager-Hijinks (sich aus dem Unterricht schleichen, Schlägereien auf Hauspartys). In einer Zeit, in der die meisten Blaxploitation-Filme den Blick des Publikums auf Geschichten über Sex, Kriminalität und Drogen lenkten, richtete Regisseur Michael Schultz („Car Wash“) seine Aufmerksamkeit auf das reiche Innenleben dieser jungen schwarzen Männer. Dieser Dreh- und Angelpunkt ihres freundschaftlichen Bandes unterschied „Cooley High“ nicht nur von den sensationelleren Filmen, mit denen es sich die Leinwand teilte; Es hat die Wahrnehmung dessen, was ein schwarzer Film im Laufe des Jahrzehnts sein könnte, praktisch neu definiert. –Robert Daniels.

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Orson Welles zeigt sich in diesem Essayfilm von seiner schlüpfrigsten Seite, denn er überträgt seine Gabe, in Talkshows phänomenale Geschichten zu erzählen, auf ein Spielfilmformat. Er konzentriert sich zunächst auf den berüchtigten Kunstfälscher Elmyr de Hory, wendet sich dann aber zurück und verwandelt das Verfahren in eine Meditation über die Natur der Wahrheit selbst sowie über die Mythen, die wir uns selbst erzählen, um unserem Leben einen Sinn zu verleihen. Währenddessen taucht Welles‘ Partner – der rätselhafte Oja Kodar – bekleidet und unbekleidet im Hintergrund auf. Es ist ein entzückender Ausflug und eine Erinnerung daran, dass ein unvoreingenommener Blick auf seinen umfangreichen Katalog mehr als nur den besten Film aller Zeiten hervorbringt. Selbst als kleines Juwel glänzt F for Fake in seinem Backkatalog. –Mosi Reeves.

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Der Romanautor, Dramatiker, Regisseur und Schauspieler Bill Gunn schuf Ganja & Hess auf Einladung einer unabhängigen Filmfirma, die einen Blaxploitation-Film vermarkten wollte. Aber seine daraus resultierende Symphonie aus afro-karibischem Erbe, Voodoo-Ritualen, christlichen Schuldgefühlen, homoerotischen Anspielungen und sexueller Spannung entsprach nicht dem Wunsch seiner Unterstützer nach einem schwarzen Vampir-Quickie wie Blacula. Im Mittelpunkt der Handlung steht Hess Green (Duane Jones, der auch in einem anderen Horror-Meisterwerk, „Die Nacht der lebenden Toten“) mitspielte, ein Anthropologe, der das Blut eines Assistenten (gespielt von Gunn) trinkt, der sich selbst getötet hat. Dann verliebt er sich in die Frau seiner Assistentin Ganja (Marlene Clark), als sie kommt, um Nachforschungen anzustellen. Gunns einzigartige Kameraarbeit und die grellen Bilder machen diesen Film sowohl zu einem Kunstfilm als auch zu einem Indie-Horror; Bei den Filmfestspielen von Cannes 1973 erntete er begeisterte Kritiken und gilt heute als Klassiker. -HERR

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Es gibt noch alle anderen Stoner-Wüsten-Highway-Filme und dann ist da noch „Vanishing Point“. Twilight Zone-Veteran Richard C. Sarafian hat einen Mitternachtsfilm gedreht, der jeden in Aufruhr versetzen könnte. Barry Newman ist Kowalski, der einzige Fahrer, der am Steuer eines Dodge Challenger auf einer Hochgeschwindigkeitsmission nach San Francisco sitzt. Sind die Bullen auf der Verfolgung? Trifft er eine Jesus-Freak-Rock-Kommune? Sieht er eine mystische Vision einer blonden Hippie-Bikerin, die nackt auf ihrer Harley zu den Gitarrenriffs von „Mississippi Queen“ fährt? Ja, ja, und natürlich. Sein einziger Führer: Cleavon Little als blinder Radio-DJ Super Soul, der Kowalski als „den letzten amerikanischen Helden … die letzte schöne freie Seele auf diesem Planeten“ bezeichnet! Sein DJ-Rap wurde sowohl von Guns N Roses („Breakdown“) als auch von Primal Scream („Kowalski“) vertont – eine Hommage an die Wirkung dieses Meta-Road-Streifens. –Rob Sheffield

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Sieben Jahre nach dem Watts-Aufstand, der durch den Tod von Martin Luther King Jr. ausgelöst wurde, fand im Los Angeles Memorial Coliseum ein Konzert mit den Aufnahmekünstlern von Stax Records statt. Ihr Ziel war es, das Gebiet zu heilen. „Ich bin jemand“, der stolz von Jesse Jackson gesprochen wurde, wurde zu seinem Schlachtruf. Der mitreißende Dokumentarfilm von Regisseur Mel Stuart unterscheidet sich von ähnlichen Chroniken unvergesslicher Shows wie „The Last Waltz“, weil es nicht wirklich um die vorgestellten Künstler geht (wie unter anderem die Staples Singers, Rufus Thomas, Isaac Hayes). Stattdessen entsteht sein Interesse daraus, eine Stimme zu geben und den pointierten Gesprächen zwischen Schwarzen über Kolorismus, interracial Dating und den Blues beizuwohnen. Es ist der einzige Konzertfilm, der den Schwarzen in jeder einzelnen Einstellung sagt: „Du bist jemand“. —RD

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Vergessen Sie für einen Moment Ihre Gefühle gegenüber Woody Allen im Jahr 2023 und reisen Sie in die Zeit von 1977 zurück – als Annie Hall mit ihrer Mischung aus direkter Ansprache an die Kamera, Hummerkochen und existenziellem Unwohlsein die Vorstellungen von der romantischen Komödie auf den Kopf stellte . Dieses mit dem Oscar ausgezeichnete Meisterwerk lässt sein Publikum in die neurotische Psyche von Allens Alter Ego Alvy Singer eintauchen, während er sich in den gleichnamigen WASP-Flibbertigibbet, gespielt von Diane Keaton, verliebt. Annie Hall ist zum Teil eine Studie über die Assimilation amerikanischer Juden und zum Teil die Geschichte des Verliebens und Entliebens und dennoch mehr als die Summe seiner perfekten Teile. Und ja, die Teile sind immer noch entzückend, von Christopher Walkens gruseliger Rolle als Annies furchteinflößender Bruder bis zum Kokain-Niesen. Aber es ist die Melancholie, die diesen Film in den kommenden Jahren zur Vorlage für so viele Filmemacher werden ließ. Und natürlich ist da noch Keatons Annie selbst, eine Traumfrau mit einer tiefen Seele unter all ihren Ladidas. –Esther Zuckerman.

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Joan Micklin Silvers atemberaubendes Debüt über jüdische Einwanderer auf der Lower East Side wirkt fast wie ein Artefakt aus einer anderen Zeit – nicht aus den 1970er Jahren, um es klarzustellen, sondern aus dem späten 19. Jahrhundert, als es spielt. In Schwarzweiß gedreht und oft auf Jiddisch gesprochen, beginnt Hester Street mit der Geschichte von Jake (Steven Keats), ehemals Yankel, einem Mann, der glaubt, dass es ihm in seiner neuen Heimat New York City gut geht. Doch mit der Ankunft seiner Frau Gitl (Carol Kane) ändert sich die Perspektive geschickt und herzzerreißend. Jake ist von ihren Verhaltensweisen in der alten Welt angewidert und möchte, dass sie sich anpasst … aber nicht genug, dass sie ihren Platz im Heim aufgibt. Seine widersprüchlichen Anweisungen sind grausam, doch Gitl entspricht nicht Jakes begrenztem Bild einer Amerikanerin. Stattdessen passt sie sich auf ihre eigene Weise an ihre Umgebung an. Silver überlässt den Film Carol Kanes unglaublicher, für den Oscar nominierter Leistung, und der Schauspieler blickt mit großen Augen auf Gitl, als wäre auch sie gerade in diesem Land angekommen. —EZ

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Der Zweihundertjahrfeier-Sommer 1976 war eine Hochsaison für junge Baseballfans: Der heißeste Pitcher des Spiels war Detroits langhaariger Mark „The Bird“ Fidrych, während der heißeste Film „The Bad News Bears“ war. In der Komödie von Michael Ritchie spielte eine Mannschaft der Little League voller Außenseiterkinder, die wie die Marines fluchen, aber es handelt sich um einen der emotional genauesten – und lustigsten – Sportfilme, die je gedreht wurden. Walter Matthau spielt die Rolle seines Lebens als Buttermaker, das zigarrenkauende, betrunkene Arschloch, das ein von Chico's Bail Bonds gesponsertes Team trainiert. („Let Freedom Ring!“) Aber die Bears beginnen zu gewinnen, als sie eine Pitcherin, Tatum O'Neal, und die auf Harvey reitende Delinquentin Jackie Earle Haley bekommen. Jedes Kind hier wurde zum Kulthelden: Lupus, der die Martinis des Trainers repariert. Engelberg, der ihm sagt, dass das Fahren mit einer offenen Whiskyflasche illegal sei. („Das ist Mord, Engelberg. Und jetzt leg das zurück, bevor du mich in echte Schwierigkeiten bringst.“) Ogilvie, der erste Baseball-Statistik-Freak der Popkultur, zu einer Zeit, als Bill James seinen Abstract noch aus seiner Garage verschickte. Und Tanner, der im Grunde die Generation Sogar die Fortsetzungen liegen über der Mendoza-Grenze. —RS

Mit freundlicher Genehmigung der Everett-Kollektion

Es ist die ultimative Südstaatenkomödie, der Burt Reynoldsianischste aller 70er-Jahre-Filme von Burt Reynolds (was etwas heißen soll) und der Citizen Kane des Redneck Cinema. In Schmugglerkreisen eine Legende, werden der Bandit und sein Partner „Snowman“ (Country-Musiker Jerry Reed) angeheuert, um in etwas mehr als einem Tag eine Lastwagenladung illegales Coors-Bier – nein, wirklich – von Texarkana nach Atlanta zu transportieren. Laut Reeds Titelsong haben sie „einen langen Weg vor sich und nur eine kurze Zeit, um dorthin zu gelangen“, was durch Sally Fields außer Kontrolle geratene Braut und eine Gruppe „Smokeys“ auf ihrer Spur noch komplizierter wird. Der Stuntman und langjährige Reynolds-Kumpel und spätere Regisseur Hal Needham machte sich nicht nur den Charme und das komische Timing seines Stars zunutze, er erkannte auch, dass die Kombination aus Verfolgungsjagden, Trucker-Kultur und Humor auf Hee-Haw-Niveau (geben Sie es auf für Jackie Gleasons Buford T . Gerechtigkeit) wäre eine verdammt gute Dreierkombination für Autokinos. Der Film war bei der Veröffentlichung DOA, bis jemand bei Universal herausfand, sich direkt auf den Theatermarkt im Süden zu konzentrieren – zu diesem Zeitpunkt startete der Film schneller als die Staatstruppen, die einen rasenden Trans Am verfolgten. —DF

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Der einzige Spielfilm der Autorin, Regisseurin und Schauspielerin Barbara Loden dreht sich um eine Frau, die gerade ihren Mann verlassen und ihren Fabrikjob verloren hat. Dann verbündet sie sich passiv mit einem Kleinkriminellen und huscht mit der Resignation eines Gefangenen, der nicht mehr von Flucht träumt, vom Barhocker auf den Rücksitz. Es ist das Porträt eines gebrochenen Geistes, der selbst nach den Maßstäben der damaligen Zeit düster war. (Lodens Drehbuch stieß auf wenig Interesse, weshalb sie letztendlich selbst Regie führte; es ist ein Film über jemanden, der von den Erwartungen der Gesellschaft gelähmt ist, gedreht von jemandem, der von den Erwartungen der Gesellschaft gelähmt ist.) Dennoch gilt er seitdem als mitfühlender, sehr persönlicher Meilenstein der amerikanischen Geschichte Unabhängiges Kino und ein faszinierendes Objekt für Schriftsteller und Filmemacher, die von Lodens kurzem Leben und seinem außergewöhnlichen Sinn für Menschlichkeit fasziniert sind. – Katie Rife.

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Für ein kurzes, aber schönes „1-2-3-4!“ Moment waren die Ramones Filmstars. Die Rock 'n' Roll High School bestand aus Joey, Johnny, Dee Dee und Markie, die ihre eigene A Hard Day's Night aus schwarzem Leder rockten. Da das durchschnittliche Kind keine Hoffnung hatte, die Ramones im Radio zu hören, geschweige denn bei CBGB, war der Exploitation-Streifen von Regisseur Allan Arkush für unzählige Fans die Einstiegsdroge. (Großes Lob an Siskel & Ebert, die dem Ganzen einen „Hey, lass uns gehen“-Anstoß gegeben haben, als es sonst niemand getan hat.) Der Held: PJ Soles als Riff Randall, der Punk-Rebell, der es ihrer bösen Direktorin (Warhol Factory-Dominatrix Mary Woronov) erzählt ), „Ich bin eine Lobotomie im Teenageralter!“ Die Konzentration des Films auf das feministische Fangirl war ein prophetischer Schachzug, weshalb er ein heiliger Text für die Riot-Grrrl-Revolution von 1990 war, bis hin zu Sleater-Kinneys „I Wanna Be Your Joey Ramone“. Der Höhepunkt ist ein fulminantes Live-Set, bei dem Da Bruddas „Blitzkrieg Bop“ und „She’s The One“ zum Besten gibt; Zum Höhepunkt helfen sie Riff dabei, die Schule in die Luft zu jagen. Gabba Gabba hey! —RS

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François Truffaut hat eine schwierige Kindheit hinter sich und ist zu einem Filmemacher geworden, der sich der Gefahren bewusst ist, denen Kinder ausgesetzt sind, und der Art und Weise, wie die Welt Unschuldige und Verletzliche ausnutzt. Damit ist „Small Change“, ein Ausschnitt aus dem Leben der Kinder der französischen Stadt Thiers, auf Augenhöhe mit früheren Truffaut-Filmen wie „Die 400 Schläge“ und „Das wilde Kind“. Das gilt insbesondere dann, wenn der Fokus auf der Geschichte von Julien (Philippe Goldmann) liegt, einem Jungen, dessen Missbrauch von seinen Lehrern und Klassenkameraden zunächst unbemerkt bleibt. Aber Truffaut macht die Geschichte des Kindes zu einem Teil eines Wandteppichs, der das Skurrile mit dem Bittersüßen vermischt und eine Vielzahl von Kindheitserlebnissen miteinander verknüpft. Es ist eine Meisterleistung im Miniaturmaßstab. – Keith Phipps.

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Sam Peckinpah schenkt uns eine elegische Ode an den Western, mit Kris Kristoffersen als wildäugigem Gesetzlosen und James Coburn als zynischem Sheriff, der angeheuert wurde, um seinen alten Freund zu erschießen. Der Filmemacher besetzte auch einen Seelenverwandten: Bob Dylan, einen weiteren Dichter des amerikanischen Mythos, in seiner ersten dramatischen Rolle. Dylan spielt einen schlauen Herumtreiber namens Alias, der gut mit einer Gitarre oder einem Springmesser umgehen kann. (Alias ​​was? „Alias ​​was auch immer Sie wollen.“) Es ist praktisch der letzte Walzer des Westerns voller Abtrünniger, die von der Straße niedergeschlagen wurden. Der Signature-Song: Dylans „Knockin‘ on Heaven’s Door“, gespielt als sterbender Revolverheld Slim Pickens, der mit seiner Frau Katy Jurado am Fluss sitzt, zwei Legenden des Genres, die zuschauen, wie die lange schwarze Wolke herabsteigt. Leider hat das Studio Peckinpahs Version völlig vermasselt – es dauerte bis zum Director's Cut von 1988, bis Pat Garrett als eines seiner Meisterwerke anerkannt wurde. —RS

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In Michelangelo Antonionis letztem großen Film spielt Jack Nicholson einen unternehmungslustigen Reporter, David Locke, der so versessen darauf ist, über eine Revolution im Tschad zu berichten, dass er hastig die Identität eines verstorbenen Waffenhändlers annimmt, der in seinem Hotel starb. Locke verstrickt sich in seine eigene Geschichte, während er der Spur folgt, die der tote Mann hinterlassen hat, und sich selbst in Gefahr begibt, als er sich mit einer Frau anfreundet (Maria Schneider – hier nur als „Das Mädchen“ bezeichnet, da es noch die sexistischen Siebziger waren). geht mit ihm auf die Flucht. Der Passagier im Titel könnte durchaus der Zuschauer sein, der in diesem nuancierten, fesselnden Thriller, der von Antonionis typischen langsamen Enthüllungen profitiert, herausfinden muss, wer gut und wer schlecht ist. —Kory Grow.

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Willkommen zur Dinnerparty von Luis Buñuel, bei der Sie jederzeit auschecken, aber nie essen können. Das Meisterwerk der späten Karriere des spanischen Filmemachers versammelt eine Gruppe von Leuten aus der oberen Mittelschicht – ein Who-is-Who internationaler Stars der Mitte der 70er Jahre, darunter Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel, Bulle Ogier, Stephane Audran und Fernando Rey – für eine Soiree. Als der Gastgeber nicht darauf vorbereitet ist, ihnen Essen zu servieren, begeben sie sich alle auf die Suche nach einem gemeinsamen Essen, nur um Terroristen, Bischöfen, Geistergeschichten erzählenden Soldaten und Träumen in Träumen in Träumen zu begegnen. Seltsamerweise kann keiner von ihnen irgendwo etwas zu essen bekommen. Buñuel war immer das fehlende Bindeglied zwischen André Breton und Monty Python, und diese übermütige Sittenkomödie wirkt immer noch wie seine perfekteste Destillation zwischen Satire und Surrealem. Guten Appetit. —DF

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Arthur Penns Neo-Noir-Riff ist ein typisches Werk von New Hollywood: ein klassisches Genrestück, das mit einem neuen Anstrich und einer zeitgenössischen Sensibilität versehen wurde, ganz zu schweigen von einem enttäuschenden Ende. In diesem Fall war das Genre der hartgesottene Detektivfilm, aber unser Kaukasier (Gene Hackman in Bestform) ist ein gehörnter, frustrierter, ständig enttäuschter ehemaliger Sportler, dessen tief empfundener persönlicher Kodex ebenso anachronistisch ist wie sein verrufener Beruf . Ein Dialogaustausch fasst nicht nur den Film, sondern das Jahrzehnt im Allgemeinen zusammen: Auf die Frage, wer das Fußballspiel, das er im Fernsehen sieht, gewinnt, antwortet Hackman müde: „Niemand – eine Seite verliert langsamer als die andere.“ –Jason Bailey.

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Der italienische Filmemacher Federico Fellini schöpfte oft aus den Quellen seiner prägenden Erfahrungen, aber wohl nie so effektiv wie in diesem Rückblick auf seine Jugend im Rimini der 1930er Jahre, wo Kinder toben, Stadtbewohner sich gegenseitig Streiche spielen und jeder sich nach dem Einheimischen sehnt Schönheiten und Mussolinis schwarze Hemden schleichen sich langsam aber sicher in die Provinzen ein. Es ist zu gleichen Teilen nostalgisch für die Vergangenheit und hütet sich davor, sie zu sentimentalisieren. Es kombiniert einen erschreckenden Blick auf den Aufstieg des Faschismus mit Vignetten über psychisch instabile Verwandte, verrückte lokale Traditionen und einen extrem geilen, drallen Tabakladenbesitzer. Dies bildete die Vorlage für fast jeden folgenden „Erinnerungs“-Film, und man kann seine DNA in allem von „Roma“ bis „Armageddon Road“ erkennen. Und es ist eine großartige Einführung in den einzigartig surrealen, verträumten und überreifen Mondo-Stil – eine Ästhetik, die dem Filmemacher mehr als sein eigenes Adjektiv „Felliniesque“ einbrachte. —DF

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Manche Filme behandeln die Vorstellung, dass man denen, die man liebt, immer weh tut, als einen vorübergehenden Gedanken – Rainer Werner Fassbenders bissige, beißende Parabel über verliebte Masochisten verwandelt sie in ein Mantra. Der wahnsinnig produktive deutsche Regisseur übertraf sich mit dieser Adaption seines eigenen Stücks über eine Modedesignerin (Margit Carstensen), die sich unsterblich in ein Model (Hanna Schygulla) verliebt und beide durch die Hölle schickt. Die Machtdynamik zwischen den Paaren schwankt ständig hin und her; Währenddessen wird Petras schweigsames Dienstmädchen (Irm Hermann), das sich Hals über Kopf in ihren Arbeitgeber verliebt, Zeuge davon und geht ihrem Tagesgeschäft nach. Es wird in Tränen enden, und lieber Gott, werden sie verbittert sein? Es gibt kein besseres Beispiel dafür, wie man Fassbinders zynische, ironische Oberfläche kratzt und die blutende Romantik darunter entdeckt. Auch kein verheerenderer Einsatz von „The Great Pretender“ der Platters. —DF

Wenn Mel Brooks 1974 gerade „Blazing Saddles“ veröffentlicht hätte, dayenu. (Für die Goyim-Lesung bedeutet das: „Es hätte gereicht.“) Stattdessen lieferte er uns in einem Jahr sowohl diesen Klassiker als auch diese perfekte Parodie auf Universal-Horrorfilme, eine doppelte Ladung verrückter Hommagen an den Akt des Kinobesuchs . Der Enkel des legendären Arztes Victor Frankenstein, Frederick Frankenstein (Gene Wilder) – es wird „frah-ken-steen“ ausgesprochen – wagt sich nach Siebenbürgen, um das Anwesen seiner Familie zu übernehmen. Er trifft auf allerlei gruselige Gestalten, wie zum Beispiel Frau Blücher [Pferdegeräusch], und steigt schließlich in das Familienunternehmen ein. Die Gags sind nicht nur alberne Gewinner („What hump?“), sondern zeigen auch Brooks‘ tiefe Ehrfurcht vor dem Kino, in diesem Fall insbesondere vor dem Kanon der Monsterfilme der 1930er Jahre. Der Film ist auch ein Beweis für Brooks‘ Glauben an die Macht, eine Show zu veranstalten – oder besser gesagt „Puttin‘ on the Ritz“ –, solange nichts schief geht und das Monster erschreckt. —EZ

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Mitreißende Epen waren im New Hollywood der 70er-Jahre aus der Mode gekommen, doch in Taiwan herrschte filmische Großartigkeit. Die erste Stunde von König Hus Meisterwerk wirkt wie eine Kombination aus Märchen und altmodischem Western und erzählt die Geschichte des Provinzkünstlers Ku Shen Chai (Chun Shih) und seiner zaghaften Romanze mit der entlaufenen Prinzessin Yang Hui-ching (Feng Hsu). Dann kommt der Schwertkampf ins Spiel und der Film entfaltet sich zu einer transzendenten, spannenden Kampfkunstgeschichte. Seine ballettartigen Kampfszenen und seine feministische Botschaft haben Regisseure wie Ang Lee und Zhang Yimou beeinflusst und ihn als einen Eckpfeiler des Wuxia-Genres bestätigt. —KR

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Dario Argentos Pantone-perfekter Giallo-Dynamo berührt möglicherweise Spukhäuser, Hexen und andere klischeehafte Horror-Tropen. Aber die Art und Weise, wie er den Schrecken darstellt, dem die Ballettschülerin Suzy Bannion (Jessica Harper) in einem gruseligen Internat begegnet, gibt einem das Gefühl, mit ihr im Albtraum zu sein. Wenn eine Figur ins Herz gestochen wird, sieht man eine Nahaufnahme eines Messers, das ein schlagendes Herz durchsticht; Das Gleiche gilt für die Maden und den Stacheldraht im Drehbuch. Die Rockgruppe Goblin macht durchgehend ihren eigenen höllischen Krach, indem sie das Thema einer Ballerina-Schmuckschatulle in eine der eindringlichsten und unvergesslichsten Horrorfilme verwandelt. Suspiria sieht man nicht – man spürt es. -KG

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Von „Reservoir Dogs“ bis „Stirb langsam“ kann man die Spuren von Joseph Sargents Adaption von Peter Godeys Roman erkennen, aber vor allem ist es einer der großartigsten New Yorker Filme. Als Mr. Blue (Robert Shaw) den Fahrern der Downtown 6 verkündet, dass er und seine drei bewaffneten Komplizen ihren Zug nehmen und sie als Geiseln halten, löst das die Art von amüsiertem Lachen aus, wie man es nur in New York bekommen kann. Und nur in New York würde ihre Verschwörung durch einen Verkehrspolizisten wie Zachary Garber (Walter Matthau) aufgedeckt; Sein schlechtes Benehmen am Krankenbett, seine zerknitterte Garderobe und sein Gesicht wie ein Fanghandschuh sorgen für eine Columbo-ähnliche Ablenkung für seine detektivischen Fähigkeiten – vollständig enthüllt in einer der schönsten Schlussaufnahmen im gesamten amerikanischen Kino. –JB

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Selbst in einem Jahr, das so abwegige Kostbarkeiten wie Alejandro Jodorowskys „Der Heilige Berg“ und Eiichi Yamamotos „Belladonna der Traurigkeit“ brachte, sticht René Laloux‘ halluzinatorische Menschenrechtsparabel hervor. Dieser Animationsfilm ist seltsam verlockend, und das nicht nur, weil sowohl die riesigen blauen Draag-Humanoiden als auch ihre menschenähnlichen Oms-Haustiere häufig unbekleidet sind. Es ist voller bizarrer, tintenfischähnlicher Kreaturen, und die Animation ist streng und starr und vermeidet die fließende Ausdruckskraft eines Disney-Films. Währenddessen läuft Alain Goraguers berühmte Jazz-Funk-Partitur im Hintergrund und lässt das Geschehen wie eine Jonathan-Swift-artige Satire erscheinen. Fantastic Planet ist Laloux‘ berühmtestes Werk; Der französische Animator führte vor seinem Tod im Jahr 2004 bei mehreren Kurzfilmen und zwei weiteren Spielfilmen Regie (insbesondere bei Gandahar aus dem Jahr 1987). –MR

Der einfachste Weg, dieses schmerzlich ergreifende und beiläufig komische Errol Morris-Experiment zu beschreiben, ist, dass es sich um einen trockenen Dokumentarfilm über Tierfriedhöfe handelt, der Interviews mit den Besitzern und Betreibern eines scheiternden und eines florierenden Unternehmens enthält. Doch letztlich geht es in diesem Film um so viel mehr. Es ist eine offene Untersuchung des Familienerbes, gespickt mit anschaulichen Porträts darüber, wie naiver amerikanischer Optimismus die Schleifmaschinerie des Erfolgs antreibt. Und es ist ein Ausschnitt aus dem Leben, der wie ein Kunstwerk gerahmt ist, mit Aufnahmen, die präzise arrangiert und mit auffälligen Requisiten geschmückt sind, und die dann von Menschen bevölkert werden, die philosophisch werden – nicht nur über Katzen und Hunde, sondern über die subtile Unterschiede zwischen Leben und Tod. –Noel Murray.

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Ken Russells blasphemische Brandbombe ist das seltene Beispiel eines Films, der tatsächlich von den Machthabern unterdrückt wurde. (Der Film wurde in seiner ungekürzten Form erst 2004 öffentlich gezeigt.) Der Ansturm verdorbener und profaner Bilder ist die Hauptursache für seine Tänze mit der Zensur, die größtenteils mit Vanessa Redgraves bravourösem Auftritt als perverse Äbtissin zusammenhängt, die Oliver Reeds Playboy beschuldigt Priester der Hexerei. Aber die politischen Implikationen der Geschichte – eine scharfe Kritik an Korruption und Heuchelei unter selbsternannten moralischen Autoritäten – sind ebenso gefährlich. In Russells Vision ist der Zölibatäre der Sünder und der Wüstling der Heilige, eine Umkehrung, die ebenso provokativ ist wie die häufig ausgeschnittene Szene, in der Redgrave an der Seitenwunde Christi saugt. —KR

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Nahezu jede absurde Idee, die im Drehbuch von Paddy Chayefsky, dem Schöpfer des Fernsehstars Golden Age, präsentiert wird, ist in der Ära von Fox News auf beunruhigende Weise wahr geworden. Peter Finch und Faye Dunaway gewannen beide Oscars für ihre jeweiligen Rollen: ein Moderator, dessen Nervenzusammenbruch in der Sendung (einschließlich der ikonischen „Ich bin wahnsinnig wütend, und ich werde das nicht mehr ertragen!“) sich irgendwie ändert ihn zum „verrückten Propheten des Äthers“; und ein Manager eines Soziopathennetzwerks, der bis hin zum Mord alles tun wird, um die Einschaltquoten zu verbessern. Unter der Regie von Sidney Lumet und mit weiteren großartigen Darbietungen von William Holden, Robert Duvall, Ned Beatty und Beatrice Straight (die für eine Szene einen Oscar gewann!) ist „Network“ ebenso urkomisch wie gruselig. Was als Satire begann, entpuppte sich stattdessen als Prophezeiung. – Alan Sepinwall.

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Diese Hockeykomödie scheint der Grenzpunkt zwischen Paul Newmans junger und schöner Filmstar-Phase und seiner verwitterten (aber immer noch schönen) Charakterdarsteller-Phase zu sein. Er spielt Reg Dunlop, Spielertrainer eines scheiternden Minor-League-Teams in einer sterbenden Stahlstadt, der versucht, mit einem neuen und unglaublich gewalttätigen Spielstil – angeführt von den einfachen, rücksichtslosen Hanson-Brüdern – die Zuschauerzahlen zu steigern. „Slap Shot“ wurde von Nancy Dowd geschrieben und von George Roy Hill inszeniert. „Slap Shot“ lehnt sich auf urkomische Weise an die groben Höhlenmensch-Persönlichkeiten von Reg und seinen Teamkameraden an, wobei Newman seine Rolle ohne die geringste Spur von Eitelkeit spielt und die Mischung aus Schimpfwörtern und körperlicher Komik das Ganze zum Witzigsten macht Sportfilm aller Zeiten. -ALS

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Dieser bahnbrechende britische Krimi markiert den Moment, in dem sich die bühnenhaften Küchendramen des britischen Kinos der Sechzigerjahre zu herrlich brutaler Gewalttätigkeit verdichteten. Der Londoner Gangster Michael Caine rast in einem Zug zurück in seine Heimatstadt Newcastle, um den mysteriösen Tod seines Bruders durch Alkoholvergiftung aufzuklären, eine Reise, die mit Kugeln und Blut endet. Regisseur und Drehbuchautor Mike Hodges hat „Get Carter“ auf Ted Lewis‘ Pulp-Roman „Jack's Return Home“ basiert und die Leinwand mit Szenen aus grauen, wolkigen Außenräumen und dem Unwohlsein der Arbeiterklasse gefüllt, und jede Figur scheint ein geheimes Trauma in sich zu tragen. Im Mittelpunkt steht Caine, der eine unruhige Ruhe auszustrahlen scheint, die nur durch Gewalt gebrochen wird. -HERR

©UNIVERSAL/EVERETT COLLECTION

Der 1978 mit dem Oscar für den besten Film ausgezeichnete Film ist einer der ersten amerikanischen Filme, der die Folgen unseres Engagements in Vietnam nüchtern und nüchtern beleuchtet. Er handelt von einem Trio von Stahlarbeitern – gespielt von Robert De Niro, Christopher Walken und John Savage –, die sich rekrutieren in der Armee, um im Ausland zu kämpfen. Alle drei werden Kriegsgefangene. Zwei kehren mit körperlichen Wunden und psychischen Narben nach Hause zurück; Einer bleibt im Land und erlebt jede Nacht sein Kriegsgefangenen-Trauma noch einmal. Michael Ciminos Epos ist vor allem wegen der intensiven Szenen in Erinnerung, in denen die Vietcong sie zu erschütternden Partien „Russisches Roulette“ zwingen. Aber aus heutiger Sicht ist es die erste Hälfte des Films, die einem wirklich in Erinnerung bleibt, in der diese jungen Männer und ihre Jagdkameraden trinken, rumhängen, Scheiße reden und sich auf einer Hochzeit austoben. Man bekommt ein echtes Gefühl für die Arbeitergemeinschaft und die Kameradschaft der Männer in dieser Kleinstadt, was den abrupten Wechsel zu den Killing Fields nur noch erschütternder macht (stellen Sie sich vor, Sie schauen sich „Diner“ an und sehen, wie jemand mittendrin plötzlich den Kanal auf „Apocalypse Now“ umschaltet). Doch das spiegelt perfekt das Gefühl der gewalttätigen Desorientierung wider, das diese rein amerikanischen Jedermannsmenschen in „Nam“ durchmachen, und die Entfremdung, die De Niros Charakter nach seiner Rückkehr verspürt. Dies war auch der Film, der Meryl Streep ihre erste große Filmrolle bescherte und uns den letzten Auftritt des verstorbenen, großartigen John Cazale bescherte. —DF

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In Hal Ashbys beliebtem Kultfilm, der teils schwarze Komödie, teils Leitfaden zum Leben ist, spielt der engelhafte Bud Cort Harold, ein orientierungsloses Kind aus privilegierten Verhältnissen, das seine Tage damit verbringt, Beerdigungen von Fremden beizuwohnen und vorgetäuschte Selbstmorde für eine entfernte Mutter (Vivian Pickles) zu begehen. Er trifft Maude (Ruth Gordon), eine ältere Frau und ebenfalls Bestattungsbegeisterte, die eine Lebensfreude besitzt, von der der krankhafte Harold nur träumen kann. Als sie unzertrennlich werden, wird Maudes Enthusiasmus ansteckend, gemildert nur durch Hinweise auf den harten Weg, den sie zurückgelegt hat, um 79 Jahre alt zu werden, und durch die Andeutung, dass ihr nicht mehr viel Zeit bevorsteht. Trotzig und inspirierend naiv ist es eine schwarze Komödie, die der Verzweiflung ins Gesicht blickt und es wagt zu lachen. —KP

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Dieser herausragende Eintrag in Monty Pythons Filmografie enthält möglicherweise eine der großartigsten Schlussszenen in der Geschichte der Komödie. Die Prämisse ist, dass Brian Cohen (Graham Chapman) in einem Stall in Jerusalem geboren wird, direkt neben dem, in dem Jesus Christus geboren wurde. Es entsteht viel Heiterkeit, und ohne das Offensichtliche zu verraten, sagen wir einfach, dass sich Brians Schicksal nicht viel von dem des Sohnes Gottes unterscheidet. Wie Eric Idle dem widerstrebenden Messias am Ende berühmt singt: „Schau immer auf die helle Seite des Lebens“; Das Lied ist inzwischen zur Nationalhymne geworden und wurde von Idle bei den Olympischen Spielen 2012 in London wiederholt. Alle Python-Mitglieder sind hier großartig und Sue Jones-Davies sticht als Judith Iscariot heraus. Achten Sie auf einen Cameo-Auftritt von George Harrison, der Life of Brian über seine Firma HandMade Films finanziert hat. -HERR

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Maifeiertag 1973: Ein Polizeisergeant trifft auf der abgelegenen schottischen Insel Summerisle ein, um nach einem vermissten Kind zu suchen. Doch er findet sich in einer seltsamen heidnischen Gesellschaft wieder, in der die Einheimischen um den Maibaum tanzen, alte keltische Rituale praktizieren und auf den Feldern Sex haben. Robin Hardy machte „The Wicker Man“ zum ultimativen Folk-Horror-Albtraum, bis hin zu den schreienden Schlussminuten. Edward Woodward ist der verklemmte christliche Polizist, entsetzt über die Nacktheit auf dieser Insel; Christopher Lee ist der umgängliche Lord Summerisle, der betont: „Man sollte immer offen für regenerative Einflüsse bleiben.“ Es ist eine düstere Satire auf Post-Hippie-„Zurück ins Land“-Fantasien, in der die Gastwirtin Lindsay Kemp (alias David Bowie und Kate Bushs echte Pantomimenlehrerin) und seine laszive Tochter die Rockmuse Britt Ekland ist. Paul Giovannis Freak-Folk-Musik wurde Teil der Legende des Films – seltsamerweise gab es bis in die 1990er Jahre kein offizielles Soundtrack-Album, dennoch wurden Stücke wie „Willow's Song“ zu äußerst einflussreichen Psych-Prog-Klassikern. (Wie Luke Haines von The Auteurs sagte: „Jede britische Band macht ihr Wicker-Man-Album.“) Tribute wie „Midsommar“ bekräftigen nur die erschreckende Kraft des Originals. Singe, Kuckuck! —RS

RTL II

Diese National Lampoon-Produktion lieferte die Vorlage für das Verhältnis zwischen Slobs und Snobs, die einen Großteil der Filmkomödie der nächsten Jahrzehnte bestimmen sollte, und war bei weitem das beste filmische Vehikel für die erstaunlichen, aber spezifischen komödiantischen Talente des verstorbenen, großen John Belushi. Als Bluto Blutarsky, das trinkfeste, schmutzige (in jeder Hinsicht) Mitglied der verrufenen Delta-House-Bruderschaft, ist der SNL-Star eine solche Naturgewalt, dass man ihn unweigerlich als seinen Film betrachten kann, auch wenn er Deltas Kollege Tim ist Matheson, Peter Riegert und Tom Hulce spielen alle prominentere Rollen. Er ist so charismatisch, dass niemand ihn unterbrechen möchte, um ihn zu erklären, als Bluto mitten in einer inspirierenden Rede fragt: „War es vorbei, als die Deutschen Pearl Harbor bombardierten?“. -ALS

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Einer der ersten großen Filme der 1970er Jahre blickte auf eines der großen Ereignisse der 1960er Jahre zurück – und auf seine Weise auf das Ethos des gesamten Jahrzehnts. Regisseur Michael Wadleigh führte ein Team junger Filmemacher (darunter Martin Scorsese mit dem Babygesicht) nach Bethel, New York, um das Festival der Musik und des Friedens im August 1969 zu dokumentieren. Ihre Dreharbeiten verliefen fast so chaotisch wie das Festival selbst, da während der Aufführungen mehrere Kameras im Einsatz waren und 50 Meilen Filmmaterial freigelegt wurden. Dennoch sammelten sie Eindrücke und Erkenntnisse von Organisatoren, Teilnehmern und blinden Bewohnern von Bethel und fingen außerdem Künstler wie Santana, The Who, Crosby, Stills & Nash und Jimi Hendrix auf ihrem Höhepunkt ein – und das Ergebnis ist ein 360-Grad-Porträt eines kulturell prägendes Ereignis. Es ist mit einer Direktheit und einer koksigen Energie zusammengestellt – die Stimmung ist exquisit und die Darbietungen sind elektrisierend. Da Altamont zwischen dem Festival selbst und der Veröffentlichung des Films lag, wirkte dieser legendäre Konzertfilm bereits bei seinen ersten Vorführungen wie wehmütige Nostalgie. –JB

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Im Laufe von zwei Monaten zwischen 1957 und 1958 nahm ein 19-jähriger Müllsammler namens Charles Starkweather seine 14-jährige Freundin Caril Ann Fugate mit auf einen Amoklauf in Heartland, der zehn Todesopfer forderte und die öffentliche Fantasie erregte. Die Geschichte erinnert an einen anderen Liebesroman-Thriller wie „Bonnie & Clyde“, doch in seinem ersten Spielfilm geht Terrence Malick seine eigene ikonoklastische Richtung ein und ignoriert den Promi-Brouhaha, um sich auf die Beziehung zwischen Kit (Martin Sheen) und Holly zu konzentrieren ( Sissy Spacek – der eine ist ein asozialer Schmierer mit juckendem Zeigefinger, der andere ein gelangweilter Junge, der denkt, er sehe aus wie James Dean. Malicks langjähriges Interesse an der Natur verleiht Badlands eine verträumte, unschuldige Qualität, die in scharfem Kontrast zu den beiläufig schockierenden Gewaltausbrüchen steht. –Scott Tobias.

©20THCENTFOX/EVERETT COLLECTION

In einem cooleren Alternativuniversum wäre Brian De Palmas satirischer Riff über den Mythos „Phantom der Oper“ ein Mitternachtsphänomen auf Rocky-Horror-Picture-Show-Niveau. Paul Williams (der die meisten Songs für dieses Kultmusical geschrieben hat) spielt einen teuflischen Produzenten, der plant, einen neuen Konzertsaal mit einer Rockopernversion von Faust zu eröffnen; Seine Pläne werden jedoch von dem verstümmelten Singer-Songwriter (William Finley) vereitelt, der den Ort heimsucht. De Palma war vielleicht noch am Anfang seiner Karriere, aber er entfesselte dennoch sein ganzes Arsenal an Stiltricks – Bildschirme sind wie verrückt geteilt – und zeigte die Bereitschaft, hart in die Hand zu beißen, die ihn füttert. —ST

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Auf dem spanischen Land im Jahr 1940 wird ein sechsjähriges Mädchen namens Ana (Ana Torrent) von Frankenstein heimgesucht, einem Film, dessen Bedeutung sie nur schwer begreifen kann, der aber auf eine Weise tiefgreifend erscheint, die sie nicht ganz verstehen kann. Nachdem Ana sich mit einem republikanischen Soldaten, der in einem heruntergekommenen Schafstall Zuflucht sucht, anfreundet und ihm hilft, verleiht sie Frankenstein eine Bedeutung, die sie selbst erfunden hat, indem sie die Vision eines sanften, missverstandenen Monsters in ihr wachsendes Verständnis von Tod, Desillusionierung und den ersten Anzeichen von Unzufriedenheit einbezieht . Kurz nach dem Ende des Spanischen Bürgerkriegs und dem Aufstieg von Francisco Franco angesiedelt (und in den letzten Jahren des Franco-Regimes veröffentlicht), ist das meditative, visuell üppige Debüt von Regisseur Victor Erice sowohl eine universelle Geschichte über das Ende der Unschuld der Kindheit als auch ein Widerhaken Darstellung, wie Selbstzufriedenheit dem Autoritarismus die Tür öffnete – und die Verpflichtung der nachfolgenden Generation, sie wieder zu schließen. —KP

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In Erwartung der zähen Welle der Greaser-Nostalgie, die die Siebzigerjahre von Fonz bis Grease durchdringen würde, schrieb der Filmemacher George Lucas „American Graffiti“ über die glücklichen Tage von 1962, dem Jahr, in dem er 18 wurde – als coole Katzen über den Strip kreuzten, um Mädels abzuholen , Drag Race, Streiche gegen Polizisten und Gerede über Müll. Eine scharfsinnige Ensemblebesetzung, zu der Richard Dreyfus, Ron Howard, Harrison Ford, Cindy Williams und Paul Le Mat gehörten, brachte die kleinstädtische Teenager-Langeweile der Charaktere zum Ausdruck, als sie sich darauf vorbereiteten, „endlich aus dieser Truthahnstadt herauszukommen“ (Howards Worte). ) Unter all dem Scherz („Dein Auto ist hässlicher als ich“, sagt die 13-jährige Mackenzie Phillips) gibt es auch Momente voller Herzlichkeit, wie die Hochgeschwindigkeits-Endsequenz. Außerdem bietet der Film das, was allen Nachahmern fehlte: Wolfman Jack. -KG

Unmittelbarkeit und Intimität sind entscheidende Komponenten in so vielen großartigen Dokumentarfilmen, aber Barbara Kopples kraftvolles Debüt ist eine Meisterleistung darin, das Publikum in das Leben ihrer Protagonisten einzubeziehen und deren Kämpfe ebenso greifbar zu machen wie unsere eigenen. Sie führt uns an die Front des angespannten Streiks der Kohlebergleute von Kentucky in den frühen 1970er Jahren, als sie sich mit der Duke Power Company auseinandersetzten, angeführt von dem ungeheuer gefühllosen Kapitalisten Carl Horn. Der Film schiebt die herablassenden Klischees über das Leben der Arbeiterklasse beiseite und ist eine Hommage an die ehrliche Arbeit. Er zeigt den unverblümten Anstand gewöhnlicher Amerikaner, die gezwungen sind, gefährliche Bergbaubedingungen zu ertragen, während sie sich finanziell kaum über Wasser halten können. Es ist mitreißend in seiner Einfachheit – nie mehr als wenn die Aktivistin und Songwriterin Florence Reece eine kraftvoll spartanische Interpretation von „Which Side Are You On?“ liefert. – und so packend wie ein Thriller, sobald Duke Power beginnt, das Leben der streikenden Arbeiter zu bedrohen. Koppels Kamera ist genau dort, um den Terror und das Chaos einzufangen. Es besteht kaum ein Zweifel, auf wessen Seite Sie in dieser David-gegen-Goliath-Konfrontation stehen werden. —Tim Grierson

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Francois Truffaut verbrachte die meiste Zeit seiner frühen Karriere damit, Filme über einen filmbegeisterten jungen Mann (großes Antoine Doinel!) und/oder Filme zu drehen, die sich der Nachahmung des Stils seiner Autorenidole widmeten. 1973 wandte er sich schließlich dem Thema Filmemachen selbst zu – und lieferte uns die vielleicht leidenschaftlichste und poetischste Chronik über das Einfangen von Magie mit 24 Bildern pro Sekunde. Beginnend mit der berühmten Kranaufnahme zu Beginn nutzt „Day for Night“ (der Titel selbst bezieht sich auf einen illusorischen Filmtrick) einen gefälschten Filmdreh, um den Vorhang vor der Qual und der Ekstase zu öffnen, die das Erzählen von Geschichten mit einer Kamera, einem Team und einer übermütigen Vorstellung mit sich bringt des Kinos als Kunstform. Doch selbst wenn Truffauts Onscreen-Regisseur Ferrand Schwierigkeiten hat, seine Vision auf die Leinwand zu bringen oder seine Stars (nämlich Jean-Pierre Léaud und Jacqueline Bisset) ins Schwarze zu treffen, behandelt der Film die reine Arbeit des Filmemachens nie als etwas weniger als ein Wunder. Es ist sowohl eine Enthüllung darüber, wie die Filmwurst hergestellt wird, als auch ein Liebesbrief an diejenigen, die mutig oder dumm genug sind, gleichzeitig Würstchen herzustellen. —DF

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Ivan (Jimmy Cliff), ein Niemand, der von einem musikalischen Star träumt, kehrt in der Hoffnung, gesehen zu werden, nach Kingston zurück. Er nimmt einen Reggae-Track auf, von dem er sicher ist, dass er ein Hit wird: „The Harder They Fall“. Aber die Autoritäten – die Kirche, die Discjockeys, die Polizei – bleiben diesem Außenseiter feindlich gesinnt. Ivan wird zum Gesetzlosen, nachdem er einen Polizisten ermordet hat. Ironischerweise wird er durch seine Berühmtheit berühmt. Perry Henzells rebellischer Film hatte zunächst Schwierigkeiten, ein Publikum zu finden: Er lief hauptsächlich in Mitternachtsfilmen, während seine Akzente Untertitel für amerikanische Kinos erforderten. Was jedoch nicht übersetzt werden musste, war die Reggae-Musik, und der Soundtrack des Films – mit bahnbrechenden Hits wie dem Titelsong „Many Rivers to Cross“ und „You Can Get It If You Really Want“ – stellte Jamaikas einzigartige Sehenswürdigkeiten vor. Geräusche und Menschen auf der Welt, die bereit sind, sie zu verschlingen. —RD

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Ein wahres Epitaph für die Siebziger: „Dieses Leben ist hart, Mann. Aber es ist schwieriger, wenn du dumm bist!“ Peter Yates drehte diesen äußerst einflussreichen, anti-glamourösen Gangsterfilm über irische Kleinkriminelle in Boston – Typen wie Eddie „Fingers“ Coyle (Robert Mitchum), einen lebensmüden Waffenschmuggel-Verlierer, der Straßensprichwörter wie „Niemals“ von sich gibt Fragen Sie einen Mann, warum er es eilig hat. Diese Racker-Typen arbeiten hart; Niemand vergleicht sie mit dem Römischen Reich. Yates drehte vor Ort in Restaurants, Kneipen und Bowlingbahnen, mit einem Auge für düstere lokale Details, basierend auf dem Roman von George V. Higgins. Zur Starbesetzung gehören Peter Boyle, Alex Rocco und der Star-Star Steven Keats als übermütiger Mick-Jagger-artiger Gangster in einem Plymouth Road Runner von 1971. „Eddie Coyle“ war der erste der Bostoner Iren-Mafia-Filme – es gäbe noch ein paar mehr, wo dieser Film herkam –, aber er wurde nie übertroffen. —RS

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Lange bevor „toxische Männlichkeit“ zum Stoff für die Denkfabrik wurde, lieferte Regisseur Mike Nichols eines der fiesesten Porträts böser Männer, die jemals auf Zelluloid festgehalten wurden. Basierend auf dem verächtlichen Drehbuch von Jules Feiffer spielen Jack Nicholson und „Arthur“ Garfunkel die College-Freunde Jonathan und Sandy, die sich beide nach hübschen Studentinnen sehnen und darum kämpfen, ihre sexuelle Prahlerei unter Beweis zu stellen. Candice Bergens Susan wird zur relativ sensibleren Freundin von Sandy, doch schon bald will der intrigante Jonathan sie für sich haben. Dies setzt eine jahrzehntelange Studie über die Grausamkeit, Unsicherheit und Konkurrenzdenken dieser Männer in Gang, die oft auf unschuldige Frauen abzielt (darunter Ann Margaret, deren Rolle ihr verdientermaßen eine Oscar-Nominierung einbrachte), die das Pech hatten, ihre Wege zu kreuzen. Rücksichtslos gespielt und schonungslos düster, „Carnal Knowledge“ schöpft sein dunkles Lachen aus der Erbärmlichkeit von Jonathan und Sandy, diese giftige Satire verspottet zerbrechliche männliche Egos, die durch die damals aufkeimende Frauenbefreiungsbewegung gefährdet wurden. —TG

Zu Beginn des Protestfilms von Melvin Van Peebles aus dem Jahr 1971 tötet der Sexshow-Darsteller Swwet Sweetback zwei Polizisten, als ihre Brutalität gegenüber einem schwarzen Aktivisten zu weit geht. Das führt unseren Helden auf einen quixotischen Weg durch die Unterwelt von Los Angeles, wo er auf seinem Weg in die Freiheit in Mexiko auf Stricher, Sexarbeiterinnen, Hell's Angels und weitere rassistische Schweine trifft. Die Einzelgängerhaltung der Figur spiegelt die von Van Peebles selbst wider, der einen Deal mit Columbia Pictures aufgab, um einen unabhängigen Spielfilm zu machen, der sowohl in der Form als auch im Inhalt roh und revolutionär ist. Am Ende wurde er zu einem der erfolgreichsten Indie-Filme aller Zeiten, trug zur Entstehung eines Genres bei und wurde von allen, von Huey Newton bis Spike Lee, als filmischer Aufruf zu den Waffen bezeichnet. —KR

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Im Jahr 1968 brachte George Romeros „Nacht der lebenden Toten“ den modernen Zombiefilm ins Leben und bewies gleichzeitig, wenn auch zufällig, dass die Schwärme der Untoten ein düsteres Abbild der Zeit sein könnten, in der sie entstanden sind. Ein Jahrzehnt später war er bereit, mit dieser Fortsetzung seines Horrorklassikers die dunklen, satirischen Möglichkeiten der Walking Dead wirklich zu nutzen. Als ein Quartett von Überlebenden ein Einkaufszentrum in Pittsburgh mitten in einer Gefahrenzone der Zombie-Horde zurückerobert, verwandeln sie es in ein ganz eigenes Konsumparadies und tun gleichzeitig ihr Bestes, um sich von der Außenwelt zu isolieren. Ihre gefährliche Existenz dient als perfekte Metapher für ein Jahrzehnt, das den Idealismus der 1960er Jahre und die Grenzen engstirniger, materialistischer Freuden hinter sich gelassen hatte – obwohl Romero auch nicht gerade an den schlurfenden Zombies oder dem schockierenden Blut spart. —KP

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Ingmar Bergmans strafendes Melodram ist vom Blut ungepflegter Emotionen durchtränkt. Die Eröffnungstitelkarten sind leuchtend rot, ebenso wie die Wände des schwedischen Anwesens aus dem 19. Jahrhundert, in dem eine Frau, Agnes (Harriet Andersson), an Krebs stirbt. Ihre beiden Schwestern Maria (Liv Ullman) und Karin (Ingrid Thulin) warten auf ihren Tod und verlieren sich in Erinnerungen an vergangene Traumata. Maria erinnert sich, wie ihre Untreue ihren Mann dazu veranlasste, sich selbst zu erstechen; Karin gibt Selbstmordgedanken zu und denkt an einen Vorfall, bei dem sie sich mit Glas verletzt hat. Als ihr Mann sie sieht, schmiert sie sich das Blut ins Gesicht. Bergmans Werk ist voller psychologisch belastender Kostbarkeiten, aber nur wenige sind so unangenehm intim und fesselnd wie dieses. -HERR

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Sprechen Sie über ein verlorenes Juwel des Kinos der 70er-Jahre, das nur darauf wartet, wiederentdeckt zu werden: Das Dokudrama des Autors und Regisseurs Floyd Mutrux greift das Junkie-Leben sympathisch, aber ernsthaft unerschrocken auf und wirft eine Handvoll echter Benutzer auf, Szenen nachzubilden, in denen es darum geht, zu punkten, zu stehlen und zu kratzen, um über die Runden zu kommen. Zwischen diesen düsteren Vignetten lässt er andere Süchtige direkt vor der Kamera Zeugnisse abgeben. All dies zeichnet ein erschütterndes Bild des Straßenlebens in Los Angeles, das zugleich eine Momentaufnahme der idealistischen Sechzigerjahre ist, die in die Siebziger abgleiten – oder besser gesagt, abwärtsspiralen. Und der unglaubliche Einsatz des LA-Popradios im Film als ständiger griechischer Refrain in Quentin Tarantinos ähnlichem Drive-Time-Soundtrack in „Once Upon a Time…in Hollywood“ war mit ziemlicher Sicherheit eine Inspiration. —DF

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Sie ist eine Krankenschwester in der Notaufnahme in Los Angeles, die auf Rache aus ist, nachdem ihre Schwester Drogen süchtig gemacht hat ... und glauben Sie uns, Sie wollen sich nicht mit ihr anlegen. Ausgestattet mit einem gewaltigen Afro und mehr als hohen Absätzen liefert uns Pam Grier nichts Geringeres als die erste schwarze Superheldin, die gegen die Zuhälter, Drogendealer, korrupten Polizisten und Politiker antritt, die Amerikas Innenstädte verrotten. Mit großen Schlägen, breiten Tritten, einem abgesägten Pump-Action-Gewehr und augenzwinkernden Sprüchen, die er mit ungezügelter Coolness vortrug, zeigte Grier, dass das Blaxploitation-Flick-Spiel nicht nur etwas für Männer ist. Auch schwarze Frauen könnten das System zerstören. —RD

©20THCENTFOX/EVERETT COLLECTION

„Breaking Away“ ist sowohl eine lustige und herzerwärmende Coming-of-Age-Geschichte als auch ein inspirierender Underdog-Sportfilm und folgt einem Quartett von Freunden, die im Jahr nach dem High-School-Abschluss nach einer Richtung in ihrem Leben suchen. Dave (Dennis Christopher) versucht so verzweifelt, seinem deprimierenden Leben als „Cutter“ (der spöttische Spitzname, den die Jocks der nahe gelegenen Indiana University den Townies geben) zu entkommen, dass er anfängt, wie die großen italienischen Radfahrer, die er bewundert, zu reden, zu handeln und zu fahren. Schließlich treten er und seine Freunde (darunter der junge, nie heißere Dennis Quaid als verbitterter Ex-Quarterback) gegen ihre College-Rivalen im Little 500 an. Ein schöner Film, der auf jeder Ebene funktioniert, einschließlich der großartigen Arbeit von Paul Dooley und Barbara Barrie als Daves liebevolle, aber verwirrte Eltern. -ALS

MEDIENTRANSAKTIONEN/EVERETT-SAMMLUNG

Andrei Tarkovskys rätselhaftes Science-Fiction-Drama, eine lose Adaption des Romans „Roadside Picnic“, ist eine epische Suche, bei der es sowohl um die physische Reise als auch um das psychische Terrain geht, das die Charaktere durchqueren. Ein Mann, der einfach als Stalker (Alexander Kaidanovsky) bekannt ist, führt zwei Männer – den Schriftsteller (Anatoly Solonitsyn) und den Professor (Nikolai Grinko) – durch eine karge postapokalyptische Landschaft namens Zone auf der Suche nach dem Raum, einem mysteriösen Reich, in dem Wünsche des Einzelnen können angeblich erfüllt werden. Lassen Sie sich von den langsamen, meditativen Rhythmen dieses Films fesseln – und die zweideutige Parabel der Geschichte über Religion, Tod und Wiedergeburt durch Ihren Geist und Ihre Seele wirken – und Stalker erweist sich als eine von Tarkovskys eindringlichsten Metaphern für die zerbrechliche, suchende Natur der Menschheit. Diese drei Männer betreten die Zone und glauben zu wissen, was sie dort vorfinden werden, doch ihre Erwartungen werden enttäuscht. Jeder, der Stalker begegnet, wird genau wissen, wie er sich fühlt. —TG

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Stanley Kubrick folgte seinen zeitgeistprägenden Meisterwerken „Dr. Strangelove“, „2001“ und „A Clockwork Orange“ mit dieser Adaption von William Makepeace Thackeray – einem literarisch-historischen Drama, das in mancher Hinsicht sowohl sein „normalstes“ als auch sein anspruchsvollstes ist. Ryan O'Neal spielt einen intriganten irischen Schurken, der eine Reihe episodischer Abenteuer durch das Europa der Mitte des 18. Jahrhunderts erlebt und die Absurdität des europäischen Klassensystems aus erster Hand beobachtet, während er versucht, sich seinen Platz in einer skeptischen Aristokratie zu sichern. Die von Kerzen beleuchteten Innenräume und die dämmernden Außenräume sind erstaunlich schön, und der Film nimmt sich die Zeit, den Zuschauern zu ermöglichen, eine Weile in ihnen zu leben und das langsamere Tempo und die soziale Grausamkeit der fernen Vergangenheit zu erleben. —NM

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Paranoia und feige Eigeninteressen sind die treibenden Kräfte dieses ruppigen, umwerfenden Films aus der Mitte der 70er Jahre, der auf der phänomenalen Chemie zwischen den Stars Peter Falk (Mikey, der Verantwortliche) und John Cassavetes (Nicky, der Joker) beruht. Technisch gesehen handelt es sich bei dem Film um ein Gangsterdrama, aber er ist stärker auf die Charaktere ausgerichtet, als die Bezeichnung vermuten lässt: Er spielt sich an einer einzigen Nacht ab, während die Titelfiguren durch die Innenstadt von Philadelphia huschen und versuchen, dem Auftragskiller auszuweichen, von dem Nicky überzeugt ist, dass er hinter ihm her ist. Der Film verbindet die sardonische Komödie der Autorin und Regisseurin Elaine May mit Cassavetes' Interesse an flüchtiger Männlichkeit, beginnt mit schwelendem Unbehagen und steigert sich zu resignierter Akzeptanz. Wie bei einem Großteil von Mays Werken führten Zusammenstöße mit dem Studio zu Unruhen hinter den Kulissen, die ihr für ein Jahrzehnt eine Gefängnisstrafe als Regisseurin einbrachten. Es gilt heute als ihr Meisterwerk. —KR

EVERETT-KOLLEKTION

Kam die sexuelle Revolution jemals so anstrengend (oder erschöpft) vor wie in Hal Ashbys Satire auf die Sitten der späten 60er? Es ist nicht verwunderlich, dass George Roundy – ein Motorrad fahrender Friseur, gespielt von Autor-Produzent-Star Warren Beatty, der geschickt seinen eigenen Ruf als New Hollywoods Stud-in-Residence ausnutzt – in der Lage ist, eine beliebige Anzahl von Frauen aus Beverly Hills überzeugend ins Bett zu locken . (Ich meine, allein dieser Haarschopf ist ein verdammt gutes Aphrodisiakum!) So scheint dieser Himbo ständig verloren und abgelenkt zu sein, während er von Eroberung zu Eroberung fliegt, den Haartrockner wie ein Revolverheld im Gürtel verstaut. Der Nervenkitzel ist verflogen, aber die Jagd geht immer weiter. Es gibt so eine köstliche Bitterkeit, die Beatty und sein Co-Autor Robert „Chinatown“ Towne dieser Me Decade-Schlafzimmerfarce verleihen. Der Film spielt zwar im Jahr 1968, am Vorabend von Nixons Wahl, aber es handelt sich eher um einen 70er-Jahre-Katerfilm mit trüben Augen von den Folgen der neuen Freiheiten. Die Besetzung des Ensembles (darunter Julie Christie, Goldie Hawn, Jack Warden, eine sehr junge Carrie Fisher und Lee Grant, der einen Oscar gewann) ist absolut perfekt. Der Film selbst ist, um George zu zitieren, „großartig, Baby. Einfach großartig.“ —DF

Mit freundlicher Genehmigung der Everett-Kollektion

Sylvester Stallone schrieb das Drehbuch – über einen nie dagewesenen Boxer, der einen unwahrscheinlichen Titelkampf gegen den extravaganten Champion Apollo Creed (Carl Weathers) erhält – als Vorzeigeobjekt für eine Branche, die scheinbar wenig Nutzen für ihn hatte. Daraus wurde viel mehr: Er gewann 1976 den Oscar für den besten Film (gegen „All the President's Men“ und „Network“), machte Stallone zu einem Star auf der A-Liste und erfand im Grunde das Underdog-Sportfilmgenre, wie wir es heute kennen. Ist es angesichts der mitreißenden Filmmusik von Bill Conti, den denkwürdig inszenierten Trainings- und Kampfsequenzen von Regisseur John G. Avildsen und Stallones überraschend effektiver Annäherung an Brando in „On the Waterfront“ ein Wunder, dass das Franchise (in Form der Creed-Filme) immer noch fast am Laufen ist? 50 Jahre später? -ALS

EVERETT-KOLLEKTION

Die Handlung ist einfach: Ein maskierter Psychologe (Michael Myers), der einst seine Schwester ermordet hat (natürlich an Halloween), flieht in eine Nervenheilanstalt. Er kehrt in seine Heimatstadt zurück und beginnt, Babysitter zu erstechen. Die schlichte Handlung und die Stardarbietung von Scream Queen/Nepo-Baby Jamie Lee Curtis als Laurie Strode machten den Low-Budget-Film zu einem Überraschungsblockbuster. Der Film erklärt nie, warum Myers seinen Amoklauf beginnt – die Hintergrundgeschichte zwischen ihm und Strode kam später in den Fortsetzungen – und es ist die Zufälligkeit, gepaart mit der klaustrophobischen Kinematographie des Films und der ungewöhnlichen Filmmusik des Regisseurs John Carpenter, die die Aufmerksamkeit der Kinobesucher auf sich zog. angeborene Verletzlichkeit. Die Opfer könnten jeder sein, und etwas so Schreckliches könnte Ihnen passieren. Der Einspruch war eindeutig (Wortspiel beabsichtigt). -KG

©PARAMOUNT/EVERETT COLLECTION

In diesem bezaubernd melancholischen Melodram spielen Richard Gere und Brooke Adams Wanderarbeiter, die einen sterbenden Bauern (Sam Shepard) um sein Vermögen betrügen wollen, aber befürchten, dass sie von seinem idyllischen Anwesen vertrieben werden, wenn er die Wahrheit erfährt. Autor und Regisseur Terrence Malick beschreibt diese tragische Dreiecksbeziehung mit den Worten einer hartnäckigen Teenagerin (Linda Manz), die die Geschichte erzählt, ohne sie wirklich zu verstehen. Der ironisch-ironische Blick des Films auf Gier, Not und die wahre Bedeutung von „Paradies“ wird durch einige der visuell fesselndsten Bilder des Kinos der 70er Jahre untermauert, die von den Kameramännern Haskell Wexler und Néstor Almendros betreut wurden. Das Ergebnis ist ein einzigartiges Meisterwerk, das seinem Schöpfer so viel abverlangte, dass er 20 Jahre lang kein weiteres Bild gemacht hat. —NM

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Der Verité-Dokumentarfilm von Albert und David Maysles bringt Sie direkt an die Seite der großen und kleinen Edie Bouvier Beale – den Jackie-O-Verwandten, die, als die Filmemacher kamen, in ihrer Villa in Hamptons im Elend lebten. Die Umstände der Existenz der Edies, wie sie in Grey Gardens dargestellt werden, sind überwältigend düster, aber die Maysles (und das Publikum) sind auch von Little Edies unbändigem Geist fasziniert. Ihre verrückten Moden, Musiknummern und Vokabeln (siehe: „standhaft“) sind in Drag-Queen-Auftritten und Parodien erhalten geblieben, aber der Film gibt einen Kontext zu ihren Fahnenschwenkroutinen. Sie sind ein Akt der Bewältigung einer im Wesentlichen zum Scheitern verurteilten und missbräuchlichen Situation. Ihre Possen sind lustig, ja, aber auch voller Trauer, und in dieser Trauer ist ein Bild dessen, was viele für eine große amerikanische Familie im Niedergang hielten. —EZ

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Man könnte sagen, „Einer flog über das Kuckucksnest“ war, als sich Jack Nicholson, ein Hauptdarsteller von großartiger Komplexität, in „Jack“ verwandelte, einen grinsenden, Oscar-prämierten Star in der Hollywood-Konstellation. Diese Adaption von Ken Keseys Bestseller aus dem Jahr 1962 dreht sich um Nicholson als Kleinkriminellen Randle McMurphy, der sich mit netten Mitteln in eine psychiatrische Klinik in Oregon schleicht, um einer schweren Körperverletzung zu entgehen. Er ist in fast jeder Szene zu sehen, überlistet Louise Fletcher als Nurse Ratched, bezaubert Mitpatienten wie Brad Dourif und Danny DeVito und liebt geschickt das Publikum. Auch wenn er nicht die gleichen unheimlichen Tiefen erforscht wie frühere Triumphe wie Five Easy Pieces und Chinatown, ist er dennoch umwerfend, wenn er gegen ein System rebelliert, das ihn unweigerlich zermalmt. -HERR

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Ein britisches Paar (Donald Sutherland und Julie Christie) verliert seine einzige Tochter bei einem Ertrinkungsunfall. Als sie nach Venedig gehen, um ihre Schuld und Trauer zu lindern, erschüttert eine Serie von Serienmorden die Stadt. Was hat das eine mit dem anderen zu tun? In Nicolas Roegs gruseligem Psychothriller sind sie alle in denselben Albtraum verwickelt, zusammengehalten durch einen roten Regenmantel und das verstörende Wechselspiel zwischen einer Vergangenheit, die dieses Paar unbedingt vergessen möchte, und einer Gegenwart, die sie immer wieder an ihr Trauma erinnert. Roegs kühn assoziativer Schnittstil zahlt sich in einer der heißesten Sexszenen der Ära aus – in der eine Liebessitzung unterbrochen wird und das Paar sich wieder anzieht – und ist ein wahrer Herzstopper einer Höhepunkt-Enthüllung. —ST

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Es gibt Filme, die die Paranoia der damaligen Zeit aufgreifen – und dann ist da noch Alan J. Pakulas Mutter aller Verschwörungsthriller, in dem es um einen Journalisten (Warren Beatty) geht, der bei einem öffentlichen Auftritt auf ein Geheimnis stößt, bei dem es um die Ermordung eines prominenten Senators geht. Der Täter passt zum traditionellen Profil des „einsamen Wolfs“-Attentäters … nur scheint er etwas zu gut dazu zu passen. Die Tatsache, dass alle Zeugen des Ereignisses bald tot aufgefunden werden, macht es noch verdächtiger. Beattys Mistkerl beginnt, am Faden zu ziehen, und entdeckt bald ein Unternehmen, das möglicherweise für eine Reihe staatlich sanktionierter Vernichtungen verantwortlich ist oder auch nicht. Ratet mal, wer jetzt ein Ziel auf seinem Rücken hat? Dieser Blick auf die Art und Weise, wie die Mächtigen ihre Position behaupten, wurde ein Jahrzehnt nach den Erkenntnissen der Warren-Kommission zum Kennedy-Attentat erstellt und am Vorabend von Watergate veröffentlicht und könnte nicht zeitgemäßer und zeitgemäßer wirken. Und die Szene der Gehirnwäsche, in der ein Wirrwarr von Bildern das Gefühl eines potenziellen Attentäters für Gut, Böse und sich selbst durcheinander bringt, bleibt eine der erschreckendsten Einzelsequenzen der 70er Jahre. —DF

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Sagen Sie „Kung-Fu-Filme“ und welches ist das erste Bild, das Ihnen in den Sinn kommt? Ein Bruce Lee ohne Hemd, seine Brust ist vernarbt und seine Hände befinden sich in einer Kampfposition. Nachdem er einige Zeit als Kumpel der Green Hornet im Fernsehen gearbeitet hatte, ging der chinesisch-amerikanische Star Anfang der 1970er Jahre in den Osten, um in einer Reihe von Filmen für die Hongkonger Produktionsfirma Golden Harvest mitzuspielen. Die Ergebnisse – „The Big Boss“ (1971) und „Fists of Fury“ (1972) – machten ihn in ganz Asien zu einem bekannten Namen. Hollywood wollte den größten Star des Kontinents zurücklocken, also wurde für ihn eine Geschichte über einen Undercover-Agenten erfunden, der das Kampfturnier eines ruchlosen Bösewichts infiltriert. Der Rest ist Geschichte. Enter the Dragon würde Lees Vermächtnis als etwas festigen, das einem echten Superhelden nahe kommt, und wenn man sieht, wie sich der Mann mit Fäusten, Füßen, Stäben und Nunchakus durch Dutzende von Männern pflüget, kann man verstehen, wie er die Kampfkunst zu einem globalen Phänomen gemacht hat . Der letzte Kampf, in dem Lee in einem Spiegelkabinett gegen seinen Erzfeind mit den Metallklauen kämpft, bleibt ein Knaller aller Zeiten. —DF

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Dieses vulkanische Drama ist nach wie vor eines der großartigsten Porträts geistiger Zerrissenheit und ehelicher Zwietracht und ist die ergreifendste der zahlreichen Leinwandkollaborationen des Filmemachers John Cassavetes und der Schauspielerin Gena Rowlands. Rowlands spielt Mabel, eine Mutter aus Südkalifornien, die sich kaum zusammenreißen kann, was sowohl ihre Kinder als auch ihren temperamentvollen Ehemann Nick (Peter Falk) befürchten lässt, dass sie jeden Moment endgültig ausrasten könnte. Cassavetes‘ chaotischer, theatralischer Realismus war noch nie so kraftvoll und ermöglichte es seiner brillanten Frau, den ganzen Schmerz, die Verwirrung und die feurige Unabhängigkeit Mabels zu erkunden, während die Kamera verzweifelt versuchte, mit der leidenschaftlichen Unberechenbarkeit des Stars Schritt zu halten. Aber unter dem oberflächlichen Chaos dieses Films verbirgt sich eine mitfühlende, konzentrierte Reflexion einer Zeit, in der Frauen sich über die ihnen auferlegten patriarchalischen Zwänge ärgerten. Mabel und Nick streiten sich so heftig, weil sie sich tief in ihrem Inneren so sehr lieben – Rowlands und Falk lassen jedes schmerzerfüllte Jammern und jede tränenreiche Beschuldigung mit ergreifender Wucht treffen. —TG

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Die Schönheit der Rolling Stones beruhte auf ihrer hedonistischen Übernahme des Sex-and-Danger-Ethos der Rockmusik. Der Horror dieser Dokumentation entsteht durch den klaren Blick auf die kinetische Live-Power der Band, die in ihrer Intensität sowohl hypnotisch als auch erschreckend sein kann. „Gimme Shelter“ ist vor allem wegen seines gruseligen Finales in Erinnerung geblieben – dem Tod der Konzertbesucherin Meredith Hunter bei der kostenlosen Show der Stones im Jahr 1969 in Altamont –, aber die Regisseure Albert Maysles, David Maysles und Charlotte Zwerin vermitteln durchweg ein fesselndes Gefühl für die dunkle Energie der Band, was darauf hindeutet Befreiung und Nihilismus. Und Mick Jaggers letzter Reaktionsschuss ist eindringlich. —TG

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Kann man einen Film noch als romantische Komödie bezeichnen, wenn er das Verlieben lächerlich macht? Für ihren zweiten Film als Regisseurin lieferte die einflussreiche Improvisationskomikerin Elaine May eine erbarmungslose Analyse der Sitten und Paarungsrituale der amerikanischen Mittelschicht, basierend auf einer Kurzgeschichte von Bruce Jay Friedman und adaptiert vom Drehbuchautor Neil Simon. Charles Grodin ist unglaublich neblig und spielt einen Frischvermählten, der während seiner Flitterwochen mit seiner Frau (Jeannie Berlin) glaubt, endlich seinen Seelenverwandten (Cybill Shepherd) gefunden zu haben. In der Ära der freien Liebe parodierte diese bissige Gesellschaftssatire auf brillante Weise die Art und Weise, wie einige berechtigte Männer das „Wenn es sich gut anfühlt, dann tu es“ als Freibrief nahmen, um Frauen unglücklich zu machen. —NM

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Kein einziger Künstler veränderte die Kunst der Stand-up-Comedy in den 1970er-Jahren so sehr wie Richard Pryor, der sich im letzten Jahrzehnt von einem zahnlosen Bill-Cosby-Imitator in ein Tabu-brechendes, einmaliges Talent verwandelte, das ebenso unglaublich ehrlich ist seine Erkundungen sozialer Missstände und persönlicher Probleme. Seine Tournee von 1978 wurde von Regisseur Jeff Margolis im Film verewigt, der den Comic auf dem Höhepunkt seines Schaffens einfing – und den Konsumenten seiner brillanten 70er-Jahre-Alben die visuelle Begleitung bot, die sie brauchten. Pryor erzählt nicht nur Witze oder lustige Geschichten; Er wird zum Subjekt seines Materials und vermenschlicht sich in Hunde, Pferde, Affen, Autoreifen, seine Kinder und (am verheerendsten) weiße Menschen. Pauline Kael nannte es „den großartigsten aller aufgezeichneten Performance-Filme“, und sie hatte nicht unrecht. –JB

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Keine Missachtung der großartigen 167-minütigen Kinofassung, die in den USA veröffentlicht wurde, aber die atemberaubende Erkundung eines Paares, das sich entliebt, des schwedischen Meisters Ingmar Bergman erreicht in seiner ursprünglichen 281-minütigen Miniserienform sogar noch größere Höhen. Wie auch immer, Liv Ullmann und Erland Josephson erwecken ihre unglücklichen Charaktere Marianne und Johan zum Leben und artikulieren den Schmerz und die Not zweier Menschen, die, selbst nachdem ihre Ehe implodiert ist und sie sich auf neue Partner einlassen, sich aneinander gebunden fühlen. Bergman nutzte die Unzufriedenheit, die er um sich herum sah – auch in seinen eigenen gescheiterten Beziehungen –, um diese schonungslose, aber menschliche Geschichte zu erzählen, in der die Scheidung als ein ebenso fesselndes Phänomen wie Liebe auf den ersten Blick behandelt wurde. Trotz des Schmerzes, den sie einander zugefügt haben, fällt es Marianne und Johan schwer, loszulassen. Bergman kannte ihre komplizierten Gefühle zweifellos auswendig. —TG

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Eine allgemeine Atmosphäre der Stagnation durchdringt Tobe Hoopers Spielfilmdebüt von 1974 wie der Geruch von verfaultem Fleisch. (Angeblich roch es auch am Set des Films, der sich durch eine seiner Zeit entsprechende naive Rücksichtslosigkeit auszeichnete, ziemlich schlecht.) Diese Independent-Produktion landete genau zum richtigen Zeitpunkt in den Drive-Ins und legte mit ihrer Geschichte die Vorlage für das aufstrebende Slasher-Genre von Kannibalen aus den Hinterwäldern – angeführt von Gunnar Hansens massigem, grotesken Leatherface –, die schreiende Teenager durch das Gebüsch von Osttexas jagen. Es etablierte auch einen Archetyp in Form von Marilyn Burns‘ beharrlicher Leistung als „letztes Mädchen“ Sally Hardesty. —KR

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David Bowies Spielfilmdebüt kam für den Sänger zu einem passenden Zeitpunkt, um jemanden zu spielen, der nicht an das Leben auf der Erde gebunden ist, aber in Gefahr ist, der Anziehungskraft der Schwerkraft zum Opfer zu fallen. Dieser Film von Nicolas Roeg wurde in einer Zeit gedreht, als Bowie sich von einer Diät ernährte, die hauptsächlich aus Kokain, Milch und mystischen Geheimnissen bestand. Er spielt Thomas Jerome Newton, einen fragilen Besucher von einem von Dürre heimgesuchten Planeten, der auf der Erde ein Vermögen machen will als Mittel zur Rettung seines Heimatplaneten und der Familie, die er zurückgelassen hat. Das Ausgangsmaterial, ein Roman von Walter Tevis, nutzte seine Prämisse, um zu untersuchen, wie Genie durch Sucht und andere irdische Freuden unterdrückt wird. Roegs Adaption behält diese Themen bei, fügt jedoch halluzinatorische Ebenen hinzu, die das Amerika der 70er Jahre in eine Fantasie verwandeln, in der Vergangenheit und Zukunft immer wieder in der Gegenwart zusammenbrechen, gesehen durch die Augen einer Kreatur, die fälschlicherweise glaubt, sie sei nur ein Besucher – und kein Gefangener . —KP

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Monte Hellmans Indie-Roadtrip-Klassiker ist der ultimative existenzielle Hot-Rod-Noir mit zwei Rockstars in einem Chevy 150 von 1955: James Taylor ist der Fahrer, Beach-Boys-Schlagzeuger Dennis Wilson der Mechaniker. Es handelt sich um ein Hippie-Hitlerpaar, das in eine neue Stadt zieht, auf der Suche nach Trotteln durch die örtlichen Muscle-Car-Spots fährt und dann irgendeinen Kerl in ein hochriskantes Drag-Rennen verwickelt. Laurie Bird ist die Anhalterin, die sie auf der Route 66 mitnehmen. Warren Oates ist der Fremde in einem GTO, der sich in ihre Reise hineinredet; In einer spannenden Szene rettet Oates sie mit etwas vorsichtigem Geplänkel vor Hippie-hassenden Rednecks. („Natürlich habe ich mit dir gesprochen.“ „Ja, ich habe dich sicher gesehen.“) Sowohl für Wilson als auch für Taylor war es eine einmalige Aufnahme ins Kino, aber beide sind fesselnd. Wenn Sie von JT nur sein „Sweet Baby James“-Bild kennen, könnte Sie sein grüblerisches Charisma hier schockieren – es ist keine Überraschung, dass Joni Mitchell ihn am Set besuchte und die Porträts für For The Roses mitbrachte. Bei „Two Lane Blacktop“ geht es um Rennen, die niemand gewinnt, auf einer Straße, der niemand entkommen kann. —RS

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Robert De Niro ist schon so lange in Filmen zu sehen, dass man leicht die Zeit vergisst, als er ein nervöser, unberechenbarer, fast gefährlich anziehender junger Star war. Seine Zeitlupeneinführung zu „Jumpin' Jack Flash“ in Martin Scorseses bahnbrechendem Film, in der er mit einem Mädchen unter jedem Arm in eine Bar schlendert, ist einer der aufregendsten Filmmomente des Jahrzehnts und der Auftakt einer Zusammenarbeit, die schon immer voller Volatilität und Explosivität war Potenzial. Als Taugenichts aus den schäbigeren Ecken von Scorseses Little Italy bringt sein Johnny Boy Harvey Keitels kleinen Ganoven zum Scheitern, der nicht aufhören kann, ihm zweite Chancen zu geben, bis das Chaos, das ihn ständig verfolgt, sie schließlich ganz verschluckt. —ST

©UNITED ARTISTS/EVERETT COLLECTION

Hüte dich vor einem heiligen Narren. Hal Ashbys fabelhafte Satire beschert uns Chance (Peter Sellars), einen einfältigen Mann, der einfache Freuden genießt, nämlich fernzusehen und sich um den Garten seines Vormunds zu kümmern. Bald muss er sein langjähriges Zuhause räumen und wird nach einer „zufälligen“ Begegnung mit der Limousine einer wohlhabenden Prominenten (Shirley MacLaine) Gast bei ihrem todkranken Tycoon-Ehemann (Melvyn Douglas). Zufällig wird der Gärtner schließlich zu „Chauncey Gardiner“, einem festen Bestandteil der High Society in Washington D.C.; Sein Nachplappern von TV-Slogans und Plattitüden über das Pflanzen von Rosensträuchern gilt als politisch kluge Volksweisheit. Sogar der Präsident der Vereinigten Staaten (Jack Warden) beginnt, seinen Rat einzuholen. Der Romanautor und Drehbuchautor Jerzy Kosinki hat eindeutig einiges zu tun mit der Promi-Kultur, dem Einfluss des Fernsehens auf den Alltag und Machthabern, die so verzweifelt darauf bedacht sind, angesprochen zu werden, dass sie die ahnungslosen Äußerungen eines geistig behinderten Mannes mit Intellektualismus auf Think-Tank-Niveau verwechseln. Doch die Freundlichkeit, die Ashby und Sellars – insbesondere Sellars – dieser Figur entgegenbringen, gleicht den schieren Zynismus aus, der zur Schau gestellt wird. Die Höhepunktsequenz, die so beiläufig wie möglich gespielt wird, ist immer noch genug Kopfzerbrechen, um Streit darüber auszulösen, was Ashby & Co. im Hinblick auf den „heiligen“ Teil der Gleichung meinten. Was wir sagen können ist, dass es sich um ein Ende handelt, das nur am Ende der Filmära der 70er Jahre hätte passieren können, bevor das nächste Jahrzehnt Dinge wie Nuancen und Mehrdeutigkeit in den Hintergrund drängte. —DF

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In der ersten Hälfte der 70er Jahre verwandelte Hollywood Western, Horror, Gangsterfilme und nahezu jedes andere B-Movie-Genre in etwas Düsteres und gesellschaftlich Relevantes. Dann kam George Lucas mit einer rasanten Wohlfühl-Science-Fiction-Saga, inspiriert von Samurais, Superhelden und Kampfpiloten aus dem Zweiten Weltkrieg. Seine Geschichte handelt von einem eifrigen Bauernjungen namens Luke Skywalker (Mark Hamill), der die Wege der Macht erlernt und hilft, die Galaxie vor einem unterdrückerischen Imperium zu retten, ein milliardenschweres Franchise ins Leben rief und die gesamte Blockbuster-Industrie veränderte. Und das alles aufgrund einer einfachen Idee: Was wäre, wenn jemand die Intelligenz, das Handwerk und den Enthusiasmus von Kunstfilmen auf eine publikumsfreundliche Unterhaltung anwenden würde? —NM

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Wenn Sie zum ersten Mal das unheimliche Spiegelbild von Joel Greys Zeremonienmeister sehen, dessen Gesicht in den unnatürlichen Farben eines Clowns bemalt ist, erkennen Sie, dass Bob Fosses Drama Sie in eine Unterwelt entführt, die ihresgleichen sucht. Wenn All That Jazz Fosses persönlicher Exorzismus ist, ist Cabaret seine dämonische Séance, mit der er die Welt der Weimarer Republik zum Leben erweckt, die langsam vom Nationalsozialismus infiziert wird. Der Regisseur nahm die Bühnenproduktion von 1966 mit Musik von John Kander und Fred Ebb, die wiederum auf einer Adaption von Christopher Isherwoods Geschichten basierte, und erfand eine neue Vorlage für das Filmmusical. Die Geschichte von Sally Bowles (der ikonischen Liza Minnelli) operiert auf zwei Ebenen der Existenz: Es gibt die Welt des Kit Kat Clubs, eine Art Grenzraum für die Musiknummern, und die reale Welt ohne Anführungszeichen, in der der luftige Hedonismus herrscht Sallys Leben unterliegt dem Faschismus. Es ist ein Film, der ebenso gruselig wie mitreißend ist. —EZ

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Am 22. August 1972 versuchten drei echte Bankräuber, einen Raubüberfall zu begehen, um die Geschlechtsumwandlung des Geliebten des Drahtziehers John Wojtowicz zu bezahlen. Am Ende haben sie es vermasselt. Doch Filmemacher Sidney Lumet erkannte den filmischen Reiz der Geschichte und hatte das gute Gespür, Al Pacino und John Cazale, beide frisch aus den „Der Pate“-Filmen, für die Hauptrollen zu besetzen. „Dog Day Afternoon“ fühlt sich jedoch wie mehr als nur ein Raubüberfallfilm an, da er ganzheitlich alle Fehler (auf Seiten der Diebe und der Polizei) sowie das Chaos zu Hause zeigt, während die Frau und die Mutter von Pacinos Charakter erkennen, was los ist und sein Liebhaber (Chris Sarandon) verwirrt den Flaum. Die Spannung steigt, als die Räuber die versammelten Zuschauer in Brooklyn für sich gewinnen und die Medien bezaubern, was zu einem rasanten, blutigen Finale führt. -KG

Mit diesem frühen Triumph für das afrikanische Kino betrat der senegalesische Regisseur Djibril Diop Mambéty die internationale Bühne als Anhänger von Jean-Luc Godard, der die rastlosen Erfindungen und Experimente der französischen Nouvelle Vague mit einer regionalspezifischen Geschichte von l'amour fou verband. Die jungen Liebhaber von Touki Bouki, einem Kuhhirten (Magaye Niang) mit einem Motorrad mit Stierhörnern und einer Studentin (Mareme Niang) aus Dakar, haben das Leben im Senegal satt und schmieden kriminelle Machenschaften, um Geld für die Reise nach Paris zu sammeln. Ihre Outlaw-Possen führen zu einem spannenden, umständlichen Wettlauf um die Gerechtigkeit, aber der episodische Charakter ihres Abenteuers gibt Mambéty die Freiheit, mit Farben, Bewegungen und Roadmovie-Konventionen herumzuspielen und bietet gleichzeitig einen lebendigen Reisebericht über das Land, in dem sie leben begierig darauf, zurückzulassen. —ST

UNITED ARTISTS/EVERETT-SAMMLUNG

„Es war eine Schande, dass Marty nicht schwul war“, witzelte Produzent und ehemalige Scorsese-Freundin Sandy Weintraub in Peter Biskinds saftigem Hollywood-Ratgeber „Easy Riders, Raging Bulls“ aus den 1970er Jahren. „Die beste Beziehung, die er je hatte, war wahrscheinlich mit Robbie.“ Das wäre Robbie Robertson, der charismatische Frontmann der Band, an den Scorsese in dieser ausgelassenen Konzertdokumentation, die den letzten Auftritt der Gruppe dokumentiert, liebevoll erinnert. Er kombiniert Bandinterviews mit Aufnahmen ihrer umwerfenden Thanksgiving-Show 1976 im Winterland Ballroom – komplett mit Gastauftritten von Joni Mitchell, Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison und Eric Clapton – The Last Waltz ist nicht nur eine Hommage an das Americana-Quintett, sondern auch an eine Classic-Rock-Ära, die bald von Punk, Disco und Rap hinweggefegt werden sollte. Jedes Mitglied Der Band hat ein paar Momente Zeit, um zu glänzen (Ruhe in Frieden, Rick Danko, deine Interpretation von „It Makes No Difference“ ist überwältigend schön), aber Scorseses klare Verehrung für seinen alten Freund Robertson ist spürbar und verschafft ihm beide das Rampenlicht auf der Bühne und in den Interviewsegmenten. Der Frontmann betrachtete seine Band als mythisch. „The Last Waltz“ ermutigt die Zuschauer, die Legende auszudrucken. —TG

Mit freundlicher Genehmigung der Everett-Kollektion

Im Laufe seiner Karriere drehte der italienische Regisseur Bernardo Bertolucci mehrere Filme über Charaktere, die von den Mächten der Geschichte erfasst wurden (Der letzte Kaiser, 1900) – aber dieser erstaunlich eindrucksvolle Thriller über den Faschismus, der sein Land während des Zweiten Weltkriegs eroberte, konzentriert sich auf die passiven Seelen die es möglich machen. Als Marcello, ein Mitglied von Mussolinis Geheimpolizei, spielt Jean-Louis Trintignant keinen glühenden Ideologen, sondern einen schwachen Mann, dessen Mission, seinen ehemaligen Professor zu ermorden, durch ein ehebrecherisches Interesse an seiner Frau (Dominique Sanda) vereitelt wird. Es gibt nur wenige Filme aus dieser Zeit, die schöner anzusehen sind, aber die wahre Leistung von „The Conformist“ besteht darin, wie gut er das dunkle Innere der Seele eines Marcello erforscht. —ST

EVERETT-KOLLEKTION

Ein schlechterer Filmemacher als Steven Spielberg hätte den Nachfolger von „Der Weiße Hai“ vielleicht vermasselt, aber der Druck, den er verspürte, ist auf der Leinwand völlig verschwunden. „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ ist eine äußerst selbstbewusste und ungewöhnlich nachdenkliche Mischung aus Science-Fiction und Familiendrama, in der sein „Der Weiße Hai“-Avatar Richard Dreyfuss als Arbeiter-Elektriker zurückkehrt, dessen Leben durch eine Begegnung mit Außerirdischen untrennbar verändert wird. Als er im Herbst 1977 in die Kinos kam, hatte Spielbergs Freund George Lucas mit Star Wars im Sommer die Science-Fiction (und Filme im Allgemeinen) für immer verändert. Aber Spielbergs mitreißende Erkundung gewöhnlicher Menschen, die auf außergewöhnliche Ereignisse stoßen, ist eine ganz eigene Art von Nervenkitzel: nachdenklich, prickelnd, herausfordernd und beeindruckend. –JB

EVERETT-KOLLEKTION

Im vergangenen Dezember kürte das britische Filmmagazin „Sight & Sound“ Jeanne Dielman von Chantal Akerman zum besten Film aller Zeiten und löste damit eine Welle an Möchtegern-Cineasten aus, diesen feministischen Klassiker so schnell wie möglich zu streamen. Was sie herausfanden, war eine betörende zweieinhalbstündige Meditation darüber, wie sich Hausarbeit und mangelnde Chancen auf das Leben von Frauen auswirken – sogar von Frauen, die so fleißig sind wie Dielman von Delphine Seyrig, einer Mutter und Witwerin, die für ein bisschen Extra Tricks anwendet Geld. Der Film dreht sich um drei Tage im Leben von Dielman, aber der bleibende Effekt besteht darin, wie der belgische Regisseur die Zeit und den abgeschiedenen Wohnungsraum manipuliert, eine unglaubliche Spannung erzeugt, die so alltäglich ist wie das Schälen von Kartoffeln, und die Tragödie aus einem gewöhnlichen Leben herausholt, das aus dem Ruder gelaufen ist. -HERR

FOX LICENSING/EVERETT-SAMMLUNG DES 20. JAHRHUNDERTS

Man würde dem Regisseur/Choreografen/Broadway-Götter Bob Fosse das Verbrechen der Bescheidenheit nicht vorwerfen, genauso wenig wie man ihm vorwerfen würde, er sei faul oder desinteressiert an hedonistischen Vergnügungen – er war jemand, der absolute kreative Brillanz an den Tag legte und Dutzende davon verbrannte Dutzende von Brücken und verbrannte sich im Namen des Lebens mit 120 Meilen pro Stunde. Bei All That Jazz dreht sich alles um dieses endlose Streben: nach Frauen, nach Arbeit, nach Inspiration und Vergessenheit. Es geht auch um den Tribut, den es für den Künstler, seine Mitarbeiter und seine Lieben fordert. Joe Gideon von Roy Scheider arbeitet gleichzeitig an einem Broadway-Musical und einem Film über einen Comic. (Jegliche Ähnlichkeiten mit Fosses Originalinszenierung von „Chicago“ oder seinem Biopic über Lenny Bruce sind, ähm, völlig zufällig.) Er ist ein lügender, betrügerischer, Ketten rauchender, Pillen schmuggelnder Hurensohn; Der Filmemacher schreibt seine Autobiografie im Wesentlichen auf der Leinwand. Doch er nimmt auch eine theatralische Form an, die er revolutioniert hat, und treibt deren fantastische Qualitäten im Namen der Selbstkritik noch weiter voran. Nur Fosse hätte die Abrechnung mit seinem selbstzerstörerischen Lebensstil in ein Porträt eines Künstlers verwandeln können, in dem er Jessica Lange als Tod spielte. Und nur Fosse hätte uns die atemberaubende Schlussnummer „Bye Bye Love“ bescheren können, in der sich Scheider und Ben Vereen die Bühne mit tanzenden Arterien teilen, während unser weicher Mann diese sterbliche Hülle abstreift. Der letzte Schnitt fühlt sich immer noch wie ein kalter Schlag ins Gesicht an. —DF

Mit freundlicher Genehmigung der Everett-Kollektion

„Es ist okay für mich.“ Mit diesem gemurmelten Schlagwort – zwischen Zügen einer allgegenwärtigen Zigarette gemurmelt – drückte Phillip Marlowe (Elliott Gould) die Müdigkeit einer Generation aus, für die Freizügigkeit in Zynismus geronnen war. Er ist auf der Spur dessen, was er für den Mord an einem alten Freund hält, obwohl diese Version von Raymond Chandlers Gummischuh der letzte prinzipientreue Mann im heruntergekommenen Vipernnest des Los Angeles der 70er Jahre ist. (Er ist sicherlich der letzte, der eine Krawatte trägt.) Marlowes Aura eines Mannes außerhalb der Zeit spiegelt auch das generationsübergreifende Kreativteam des Films wider: „The Long Goodbye“ wurde von Leigh Brackett geschrieben (der 1946 „The Big Sleep“ für Bogey und Bacall adaptierte), und unter der Regie von Robert Altman, der seine ikonoklastische Interpretation des klassischen Antihelden als „durch und durch ein Verlierer“ beschrieb. —KR

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Selbst nach einem halben Jahrhundert bleibt „Der Exorzist“ der gruseligste Film aller Zeiten, weil Ellen Burstyn die Hilflosigkeit einer Mutter darstellt. Ihre Figur, die Schauspielerin Chris MacNeil, erkennt langsam, dass ihre 12-jährige Tochter (Linda Blair) sich nicht nur unberechenbar verhält – sie könnte durchaus vom Teufel besessen sein. Also muss die erschöpfte Chris ihren Agnostizismus überwinden und Priester um Hilfe bitten, während ihre Tochter ihren Kopf wie eine Eule um 360 Grad dreht, Projektil Erbsensuppe erbricht und ihr ein Kruzifix in den Schritt sticht. Die Priester fühlen sich genauso hilflos, egal wie oft sie wiederholen: „Die Kraft Christi zwingt dich“, und die Brücke, die sie zwischen Glauben und Unglauben schlagen, funktioniert ebenso wie alle Spezialeffekte des Bildes (die immer noch schockierend und visuell atemberaubend sind). ) dabei, William Friedkins Horrorfilm zu einem bleibenden, unvergleichlichen Klassiker zu machen. -KG

©UNITED ARTISTS/EVERETT COLLECTION

„Ich wollte eine Mission, und für meine Sünden gaben sie mir eine.“ Francis Ford Coppola hatte sich ursprünglich zum Ziel gesetzt, das Drehbuch von John Milius – das Joseph Conrads Novelle Heart of Darkness in die Landschaft des Vietnamkriegs übertrug – in ein altmodisches Epos umzuwandeln. Das Ergebnis war ein filmischer Fiebertraum voller begeisterter Surfer, kreisender Playboy-Hasen, geisterhafter französischer Kolonialisten und Marlon Brando im grünen Gesicht. Martin Sheen erhält den Befehl, tief in den Dschungel vorzudringen und „mit extremen Vorurteilen einen ehemaligen Green Beret auszurotten“, der verrückt geworden ist und sich selbst zum Gott gemacht hat. Zusammen mit einer Bootsbesatzung segelt er durch einige der surrealsten Bilder, die jemals in einem Kriegsfilm mit großem Budget zu sehen waren, bis er das Gelände des abtrünnigen Offiziers erreicht. Und die Scheiße wird wirklich seltsam. Das Chaos auf dem Bildschirm wurde durch das Chaos hinter den Kulissen noch übertroffen, und Coppola sagte bekanntlich, dass es in dem Film nicht um Vietnam, sondern um Vietnam gehe. Dennoch bleibt es sowohl ein Meilenstein als auch ein letzter Atemzug des New-Hollywood-Autorentums und verkörpert auf einzigartige Weise den Wahnsinn, den moralischen freien Fall und den Horror – den Horror! – vom Leben während des Krieges. Und obwohl es in originellen und besonders knusprigen Rezepten erhältlich ist, empfehlen wir Ihnen wärmstens den aktuellen „Goldlöckchen-Schnitt“ als Ihre Lieblingsversion. —DF

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Der entzückendste Film des legendären französischen New-Wave-Regisseurs Jacques Rivette beginnt mit Alice im Wunderland und Henry James und verwandelt sich schließlich in eine neue Art von Film, die sich sonst niemand hätte vorstellen können. Celine (Juliette Berto) ist Bibliothekarin; Julie (Dominique Labourier) ist eine Zauberin. Sobald sie sich in einem Pariser Park treffen, werden sie Seelenverwandte, tauchen in die Fantasie des anderen ein und teilen ihre surrealsten Fantasien. Gemeinsam erfinden sie ihre neue Realität und träumen sich in ein Abenteuer hinein, bei dem sie ein kleines Mädchen in einem Spukhaus retten. Der Film ist ein freudiger Liebesbrief an die Idee der Freundschaft als Folie a deux, ein aufwändig inszeniertes Spiel und eine einzigartige Meditation darüber, wie Menschen einander magische Kräfte verleihen können. Und trotz 3 Stunden und 20 Minuten ist es viel zu schnell vorbei. —RS

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David Lynchs Spielfilmdebüt wurde über mehrere Jahre hinweg in Stop-and-Start-Manier gedreht, sofern es die Zeit und das Geld erlaubten, und kündigte die Ankunft eines voll ausgebildeten Filmemachers an – einer, der mehr daran interessiert ist, die Zuschauer in fremdes Terrain seiner eigenen Schöpfung zu führen, als sie auf vertrautem Boden zu treffen. Henry (Jack Nance) ist ein schüchterner Jedermann, der in einer Einöde lebt (inspiriert von Lynchs Zeit in einem heruntergekommenen Industrieviertel in Philadelphia) und völlig unvorbereitet auf die Verantwortung von Ehe und Vaterschaft, die Lynch beide als düster-komische Albträume darstellt, aus denen Henry kann niemals entkommen. Eraserhead zeigt die Reinheit und Zuversicht seiner Vision und lässt es nun wie eine Quelle für die folgenden Lynch-Filme aussehen. Seine fesselnde Grafik, das aggressive Sounddesign und der lässige, hausgemachte Surrealismus machten ihn zu einem Kulthit auf dem Höhepunkt der Mitternachtsfilmszene. —KP

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Monty Python hatte die Komödie mit sechs Händen von altmodischen Witzen mit Setup und Pointe in seltsameres Terrain weiterentwickelt, als sie mit „The Holy Grail“ einen abendfüllenden Spielfilm versuchten, der zu einem Triumph der Absurdität wurde. In ihrer surrealistischen Nacherzählung der Artussage hat der tollkühne König (Graham Chapman) kein Pferd, sondern einen Lakaien, der Kokosnüsse zusammenschnipst, ruchlose Ritter fordern … ein Gebüsch und moderne Detektive untersuchen alle Opfer des Films. Und zumindest in der Realität von Python sind die Franzosen immer noch unhöflich. Der Film war wahrscheinlich nicht der Blockbuster, den sich seine Finanziers – Led Zeppelin, Pink Floyd und Ian Anderson von Jethro Tull – erhofft hatten, obwohl der ausbleibende Erfolg „nur eine Fleischwunde“ war. Es würde ein würdiger Kulthit werden, dessen Vermächtnis weiter wächst (ähm, Spamalot). -KG

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Es ist riskant, einen Film zu drehen, der ein historisches Ereignis dramatisiert, nur vier Jahre nachdem es passiert ist. Alan J. Pakula hat nicht nur bewiesen, dass es möglich ist, sondern auch, dass man es auf eine Weise tun kann, die die Zeit überdauert. Wir wissen heute so viel mehr über den Watergate-Einbruch als 1976, als All the President's Men erstmals veröffentlicht wurde, einschließlich der Identität von Deep Throat – und doch hält das Pakulas Thriller über Woodwards und Bernsteins bahnbrechende Ermittlungen in der Washington Post nicht davon ab Das angsteinflößende Meisterwerk zu sein, das so viele andere Journalismusfilme sein wollen. Robert Redford (mit seinem hohen WASP-Einsatz) macht Bob Woodward zum perfekten Kontrast für Dustin Hoffmans nervöse Energie als Carl Bernstein; Zusammengenommen lassen sie das Beantworten des Telefons wie die aufregendste Aktivität aussehen, die jemals auf dem Bildschirm stattgefunden hat. Und so zeitlos diese journalistische Prozedur auch war, es ist gleichzeitig einer der typischsten 70er-Jahre-Filme – nicht nur in der Thematik, sondern auch in der Paranoia, die er ausstrahlt. —EZ

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Nachdem die Besatzung des Raumschiffs Nostromo vor dem geplanten Ende ihrer Reise unerwartet aus dem Stillstand gerissen wird, wachen sie kaum auf, bevor das Jammern beginnt. Wie „Dark Star“ (ein weiterer Film mit einem Drehbuch von Dan O’Bannon) zuvor bietet „Alien“ eine Vision interstellarer Reisen, die eher Alltagstrott als kosmisches Wunder ist – bis die Crew einen unerwarteten Passagier in Form eines … aufnimmt parasitäres Lebewesen. Es nistet sich zunächst in einem Mitglied ein, bevor es aus dessen Brust platzt. Dann fängt es langsam und methodisch an, die anderen auszumerzen. Es stellt sich heraus, dass der Weltraum kein Ort ist, der vom darwinistischen Kampf entfernt ist. Der Kontrast zwischen der metallischen, von Menschenhand geschaffenen (wenn auch schmuddeligen) Kulisse von „Alien“ und einem Xenomorph mit dem biologischen Tötungszwang ist nur ein Element, das diesen Film von Ridley Scott in die Albträume aller Zuschauer einbrennen lässt. (HR Gigers Kreaturendesign – eine beunruhigende Ansammlung von Knochen, Glibber und sexuellen Bildern – ist ein weiteres Beispiel.) Ripley von Sigourney Weaver beginnt den Film als eine von mehreren Figuren, die vom Eindringling des Schiffes bedroht werden, was sie am Ende des Films tun würde Sichern Sie sich ihren Platz auf der engeren Auswahlliste der größten Science-Fiction-Helden. Das Leben ist für die Überlebenden. Sogar die Xenomorphs verstehen das. —KP

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In der Pause zwischen den ersten beiden „Der Pate“-Filmen schuf Francis Ford Coppola ein Meisterwerk der anderen Art, das die paranoide Stimmung des Augenblicks aufgriff. Gene Hackman spielt Harry Caul, einen in San Francisco ansässigen Überwachungsexperten, dessen jüngster Auftrag – das Belauschen eines Paares, das durch einen belebten Park in der Innenstadt läuft – eine unwiderstehliche berufliche Herausforderung darstellt und ihn in ein tödliches Geheimnis zu verwickeln droht. Es ist ein stilvoller Thriller, der untersucht, wie technologische Fortschritte die Grenzen der Privatsphäre zerstören; und eine eindringliche Darstellung von Entfremdung und Desintegration, in der Harry entdeckt, dass die Mauern, die er errichtet hat, um sich vor dem Rest der Welt zu schützen, tatsächlich eine Falle sein könnten. —KP

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Viele Leute hätten einen Blick auf die Bergbaustadt Presbyterian Church geworfen und nichts als ein Scheißloch an der Grenze gesehen. John McCabe sieht jedoch eine Chance. Zusammen mit einer weiteren Neuankömmling – einer Britin namens Constance Miller – errichtet er ein erstklassiges Bordell und befriedigt die fleischlichen Bedürfnisse der Arbeiter und Einheimischen nach Angebot und Nachfrage. Das erfolgreiche Geschäftsmodell ihres Duos erregt die Aufmerksamkeit eines Bergbaukonzerns, der sie aufkaufen will. McCabe und Mrs. Miller lehnen das Angebot ab. Dann wird es gewalttätig. Robert Altmans Versuch, mit Western das zu machen, was er mit MASH mit Kriegsfilmen gemacht hat, ist voll von den charakteristischen Akzenten des Regisseurs: eine große Ensemblebesetzung, sich überschneidende Dialoge, die von überall und doch nirgendwo zu kommen scheinen, ein Zoomobjektiv, das Gefahr läuft, mit einem Spanner verwechselt zu werden . Doch seine übliche Respektlosigkeit geht mit einem Fatalismus einher, den weder das echte Filmstar-Paar Warren Beatty und Julie Christie noch die Anflüge von funkigem Humor wegwaschen können. Es nimmt die meisten amerikanischen Genres in Anspruch und trübt seine Gewässer (und seine Bilder), indem es ein provisorisches, eigenwilliges Gemeinschaftsgefühl zelebriert, bevor es es unter den Stiefeln des Establishments zermahlt. Das Endspiel ist entweder ein drogenbedingter Dunst oder der Tod. Das ist Amerika. —DF

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Steven Spielbergs Horror-Phänomen ist der Urknall-Moment der Blockbuster-Ära und bleibt eine Meisterklasse darin, Spannung aufzubauen, indem er die Fantasie des Publikums für einen Schrecken anregt, der meist außer Sichtweite lauert. Aber wenn man „Der weiße Hai“ den Aufstieg der effektorientierten Unterhaltung mit großem Budget zuschreibt, verkennt man alles Gute daran: Die berühmten Kämpfe des Filmemachers mit einem mechanischen Hai führten zu einer brillanten Strategie, die Anwesenheit eines Weißen Hais zu necken, ohne die Strände von Amity zu verändern Insel in ein gruseliges Buffet. Durch weit aufgerissene Reaktionsaufnahmen, Off-Screen-Action und die bedrohlichen Streicher der Filmmusik von John Williams macht Spielberg die kostengünstigsten Teile zu den wirkungsvollsten und etabliert sich damit fest als der begabteste Studioregisseur seiner Generation. Dass er auch die Landschaft des Filmemachens veränderte und dem amerikanischen Strandurlaub einen Hauch von Schrecken verlieh, war einfach ein Bonus. —ST

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Martin Scorseses Meisterwerk ist vieles auf einmal: eine punktgenaue Charakterstudie, ein niederschmetterndes Porträt der Einsamkeit, ein subtiler Kommentar zu den psychologischen Folgen des Vietnamkrieges, ein blutrünstiger Grindhouse-Film, eine abgedrehte Bürokomödie. (Albert Brooks‘ Tom und Cybill Shepherds Betsy waren die Jim und Pam ihrer Zeit.) Vor allem ist es eine Momentaufnahme von New York City an seinem städtischen Höllentiefpunkt, aufgenommen im notorisch schwülen Sommer 1975, mitten im Müll Streik, Polizeiproteste und Haushaltskrise (die Schlagzeile „FORD TO CITY: DROP DEAD“ erschien im Herbst in den New York Daily News). Scorseses Bild zeichnet sich sowohl durch makellose Stilisierung als auch durch Wahrhaftigkeit aus und betrachtet den verrottenden Big Apple mit gleichermaßen Ehrfurcht und Schrecken. Und Robert De Niros Auftritt als verstörter Taxifahrer Travis Bickle ist immer noch einer seiner eindringlichsten. –JB

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Es gibt viele Filme über Hollywood, aber nur wenige fangen die Erbsünde von Los Angeles mit atemberaubender Präzision ein wie Roman Polanskis Neo-Noir, der in den 1930er Jahren spielt und das trockene Land von LA aufbricht, um die menschliche Jauchegrube freizulegen, die es antreibt. Der von Robert Towne geschriebene Film folgt Jake Gittes von Jack Nicholson, einem Privatdetektiv, der seiner Meinung nach einen einfachen Fall eines untreuen Ehemanns verfolgt. Stattdessen wird er in die höllische Welt der Wasserpolitik von Los Angeles hineingezogen und folgt der verführerischen, aber mysteriösen Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), deren Geheimnisse weitaus düsterer sind als alles, was er sich hätte vorstellen können. Towne und Polanski nutzen das Verbrechen, wie die von der Dürre geplagte Stadt mit unrechtmäßigen Mitteln Wasser importierte, um die Fäulnis zu analysieren, die mit Gier einhergeht. Die Bilder wirken ausgetrocknet, die grelle Beleuchtung, die mit Noir assoziiert wird, weicht einem fast bedrückenden Licht. Es ist ein Film, der einen eklig macht – als ob die Guten niemals gewinnen könnten. Und das ist nur die Absicht. —EZ

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Wenn er in eine andere Familie hineingeboren worden wäre, wäre Michaels Leben vielleicht anders verlaufen. Aber er ist ein Corleone und es gibt nur einen Weg für ihn. Das atemberaubende erste Kapitel von Francis Ford Coppolas unauslöschlichem Mafia-Epos wurde in den letzten 50 Jahren mit allen Superlativen ausgezeichnet. (Der Film ist so legendär, dass seine Entstehung in eine aufwendige Paramount+-Miniserie umgewandelt wurde.) Und dennoch sind Sie möglicherweise immer noch nicht auf die stählerne Brillanz von Al Pacinos Darstellung von Michael vorbereitet, einem Mann, der seiner wahren Liebe Kay (Diane Keaton) gegenüber darauf besteht Er ist nicht wie die anderen Mitglieder seines Gangsterclans. Und doch ist er da, verführt von Macht und Verpflichtung, und stellt Corleones Ansehen wieder her, als sein geliebter Vater Vito (Marlon Brando) von ihren Feinden erschossen wird. Zu diesem Zeitpunkt sind die Themen und Ideen von „Der Pate“ vollständig in die Kultur eingeflossen – so sehr, dass selbst diejenigen, die dieses Kraftpaket noch nie gesehen haben, sie auswendig kennen. Aber schauen Sie über die oft gelobte (und immer noch herausragende) Erkundung der dunklen Seite des amerikanischen Traums hinaus und Sie werden ein spektakulär unterhaltsames, moralisch ernstes, grimmig-komisches Krimidrama entdecken, das auch zu den gruseligsten Coming-of-Age-Dramen gehört Sagen, die jemals gemacht wurden. Neben zukünftigen Titanen wie James Caan und Robert Duvall war Pacino zu dieser Zeit ein relativ unbekannter Mensch, doch hier hinterließ er für immer seine Spuren im amerikanischen Kino. Das Publikum schnappte nach Luft, als es Michaels schreckliche Thronbesteigung verfolgte und gleichzeitig begeistert war, Zeuge zu werden, wie einer der größten Schauspieler dieses Landes seine Ankunft ankündigte. —TG

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Vom Werbe-Parodie-Vorspann bis hin zum allgegenwärtigen Schilling für den „Replacement Party“-Kandidaten Hal Philip Walker handelt Robert Altmans Meisterwerk in der Mitte seiner Karriere vom Ausverkauf Amerikas mit der intersektionalen Anziehungskraft von Ruhm, Geld, Sex und Politik Bühne in der Hauptstadt der Country-Musik. Es ist alles erschreckend zeitgenössisch – besonders die „Tennessee Twirlers“, farbige Wachen im schulpflichtigen Alter, die fröhlich gewehrförmige Schlagstöcke drehen. Zwischen Konföderiertenflaggen und rassistischen Beleidigungen gibt es noch viele andere Auslöser. Aber in Joan Tewkesburys prismatischem Drehbuch fühlt sich wenig unnötig an. Und wenn es schwierig ist, Parodie von Aufrichtigkeit in der Musik zu unterscheiden, loben Sie die Songwriter, darunter Ronee Blakely, Karen Black und Keith Carradine (die mit „It's Easy“ zum Soundtrack in die Charts kamen). Mit einer Länge von 180 Minuten und etwa zwei Dutzend bedeutenden Charakteren ist es ein Meisterwerk der erzählerischen Verdichtung, das einer Miniserie würdig wäre. – Will Hermes

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Charles Burnett drehte seinen bahnbrechenden Film „Killer of Sheep“ als Student an der UCLA – wo er zu einer Gruppe schwarzer Filmemacher gehörte, die der Gelehrte Clyde Taylor später als „LA Rebellion“ vergötterte – und beendete ihn im Rahmen seiner Masterarbeit. Er drehte den Film in schlichter, aber wundersamer Schwarz-Weiß-Kinematographie und konzentrierte ihn auf die allernächste Handlung: Stan, gespielt vom Charakterdarsteller Henry G. Sanders, arbeitet in einem Schlachthof, ein Job, der ihm wenig Energie lässt, sich um ein liebevolles, aber frustriertes Tier zu kümmern Ehefrau gespielt von der verstorbenen Schauspielerin Kaycee Moore und ihren beiden eigensinnigen Kindern. Eine Handvoll Szenen treiben den 80-minütigen Film voran, darunter eine Sequenz, in der Sanders und sein Freund Eugene (Eugene Cherry) versuchen, ihre Partner auf einen dringend benötigten Tagesausflug zur Rennstrecke mitzunehmen, doch ihr Auto hat auf halbem Weg eine Panne . Aber Burnett interessiert sich weniger für konventionelles Geschichtenerzählen als für die Illustration seiner Heimatstadt Watts, einer Arbeitergemeinde, die immer noch von den Unruhen von 1965 gezeichnet ist und in der es von erfinderischen Kindern, müden, aber entschlossenen Erwachsenen und gelegentlichen Kleinkriminalität wimmelt. Er füllt den Rahmen mit ungeübten Schauspielern, die er aus der Nachbarschaft pflückt, und führt zu berühmten Momenten wie einem Scheffel Jungen, die ohne Rücksichtnahme über die Dächer von Wohnungen springen und Spaß und Spiel aus praktisch nichts als Geist machen. -HERR

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Im Vietnam-/Watergate-Kater der 1970er Jahre wirkte jeder Schritt Amerikas wie die letzte Tat eines verzweifelten Mannes. Aber Mel Brooks war es egal, ob es der erste Akt von Heinrich V. war. Seine Westernparodie ist eine revolutionäre Burleske der US-Geschichte, die den Alten Westen als Slapstick-Festival von Rassisten, Raubrittern, Trotteln, Schwachköpfen und Dummköpfen darstellt und Methodisten. Cleavon Little ist Black Bart, der neue afroamerikanische Sheriff in der Stadt Rock Ridge. Gene Wilder ist sein jüdischer Cowboy-Kumpel, der Waco Kid. Gemeinsam zertrampeln sie die am meisten geschätzten Mythen des amerikanischen Exzeptionalismus – selbst die süßen alten Damen sind hasserfüllte Fanatiker. Dies war das erste Mal, dass Richard Pryor ein Autorenzimmer besuchte, wo er größtenteils Bart schuf; Seine größte Leidenschaft galt jedoch Alex Karras‘ starkem Schläger Mongo. (Es war Pryor, der uns „Mongo ist der einzige Bauer im Spiel des Lebens“ gab.) Madeline Kahn – eine virtuose Sängerin, die ihr Broadway-Debüt in Kiss Me Kate gegeben hatte – spielt die taube Saloon-Verführerin Lili Von Shtupp mit ihrer tragischen Klage: „Ich bin müde.“ Brooks war bereits seit dem TV-Klassiker „Your Show of Shows“ eine Comedy-Legende, aber hier hat er sich seinen Lorbeer (und seinen herzlichen Händedruck) wirklich verdient. Fast 50 Jahre später ist „Blazing Saddles“ immer noch das explodierende Bonbon des Kinos der Siebziger. —RS

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Es ist die De-facto-Antwort auf die Frage: „Welche Fortsetzungen sind genauso gut oder besser als die Originale?“ und einer der wenigen Nachfolger eines Oscar-prämierten Films, der am Ende auch den Preis für den besten Film gewann. Sich Francis Ford Coppolas Fortsetzung der Corleone-Saga nur als „Teil II“ vorzustellen, bedeutet jedoch, sowohl den Film als auch seinen Schöpfer zu kurz zu bringen. Der Autor und Regisseur war überhaupt nicht daran interessiert, eine Fortsetzung seines Blockbuster-Hits zu machen; Er wurde von seinen Produzenten und dem Studio so stark unter Druck gesetzt, den Erfolg seines Gangsterfilms zu wiederholen, dass ihm im Grunde ein Angebot gemacht wurde, das er nicht konnte ... na ja, wissen Sie. Zum Glück hatte er ein Ass im Ärmel. „Ich hatte mit dem Gedanken gespielt, einen Film über einen Mann und seinen Sohn zu machen und zu versuchen, ihre Geschichten zu vergleichen, als beide im gleichen Alter waren“, sagte Coppola vor einigen Jahren. „Es war nur diese Idee, die mir im Umlauf war … völlig anders als beim ersten „Der Pate“-Film. Aber ich dachte, dass es dafür funktionieren könnte.“

Was dem Filmemacher gelang, indem er die Geschichten des jungen Don Corleone (gespielt von Robert De Niro), der Anfang des 20. Jahrhunderts sein Glück suchte, und des älteren Michael Corleone (Al Pacino), der Ende der 1950er Jahre sein Imperium festigte, miteinander verwob, ist nichts kurz vor einem Wunder. Wir sehen die Anfänge einer kriminellen Dynastie, die von Einwanderern zum Schutz und zur Stärkung der Gemeinschaft gegründet wird. Wir sehen auch, was mit dieser Dynastie passiert ist, als der derzeitige Corleone-Chef in Paranoia verfällt und sich von der Welt um ihn herum abkapselt. Und wenn wir beide Geschichten verlassen, wobei der eine Patriarch zu einem festlichen Abendessen nach Hause kommt und der andere völlig allein auf einem Königreich aus Staub sitzt, sagt das genauso viel über den konfliktreichen Charakter unserer Nation aus wie das Original über das amerikanische Experiment.

Wie der erste Pate bietet Teil II unglaubliche Darbietungen (insbesondere Lee Strasbergs schlauen Hyman Roth und John Cazale, dessen Fredo dieses Mal besonders herzzerreißend ist), unvergessliche Szenen voller Ironie und Gewalt, eine Fülle zitierfähiger Zeilen („Wir sind größer als …“) US-Stahl"). Woran Sie sich jedoch am meisten erinnern, ist die Art und Weise, wie darin die Kluft zwischen seinem optimistischen „Damals“ und seiner zynischen, ätzenden Sicht auf „Heute“ dargestellt wird. Es war einmal in Amerika, als ein Mann tat, was er musste, um für seine Familie zu sorgen. Eine Generation später würde ein Mann seine Verwandten töten, um das Familienunternehmen zu schützen. Die Anzüge hatten eine Wiederholung und eine Fortsetzung gefordert. Stattdessen gab Coppola ihnen eine Saga im Miniaturformat und eine große amerikanische Tragödie, die mit Blut und Tränen übersät war. —DF

Vom Rolling Stone US.